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Estampes anciennes : florilège

À l’occasion de la fête de l’estampe qui sera célébrée partout en France le 26 mai, la Bibliothèque Stanislas offre à découvrir ses collections d’estampes. Si les œuvres contemporaines ont souvent été mises en avant, les gravures anciennes ne sont pas moins présentes dans les collections : écoles française, italienne, allemande, gravures sur métal ou sur bois. Voici une sélection des quelques œuvres.

Schongauer, Martin (vers1445/1450-1491)

“La sépulture” ou “La mise au tombeau”, gravure au burin sur papier vergé, 167 x 116 mm, Mehl-2-157.

L’art de la gravure sur cuivre est né vers 1430 dans le sud de l’Allemagne. Martin Schongauer est un peintre et graveur allemand considéré comme un des premiers maîtres de la gravure allemande. Très admiré par Albrecht Dürer (1471-1528), son œuvre compte une centaine de gravures. Parmi elles, la série consacrée à la passion du Christ, composée de douze scènes allant de l’agonie au jardin des oliviers jusqu’à la résurrection. Cette scène, intitulée La sépulture ou La mise au tombeau, présente le corps du Christ mis au tombeau. Autour du tombeau, la Vierge, saint Jean et trois saintes femmes dont Marie-Madeleine qui embrasse la main du Christ. On aperçoit en arrière-plan la croix et  son échelle sur la colline.

Lucas de Leyde (1494?-1533)

“Jésus Christ portant sa croix”, gravure au burin sur papier vergé, 1515, 79 x 104 mm, inv. 690 559 folio 49bis.

Lucas de Leyde est un peintre et graveur hollandais incontournable de la première moitié du XVIe siècle. Son œuvre compte un peu plus de 170 gravures. Cette estampe illustre la passion du Christ. Il est représenté à genoux, succombant sous le fardeau de la croix et tournant la tête vers une femme qui lui présente un suaire. La date de 1515 apparaît en haut à droite au dessus de la femme.

Caraglio, Gian Giacomo (1505?-1565)

“Saturne dévorant son enfant”, gravure au burin sur papier vergé, 1526, 218 x 113 mm, inv. 690 559 folio 92. Éditée par Antonio Salamanca (1478-1562).

Gian Giacomo Caraglio est un graveur italien élève de Marcantonio Raimondi (1480?-1534?). Il a également été graveur de médailles et de gemmes. Cette gravure fait partie d’une suite de vingt estampes représentant des divinités de la mythologie, debout dans des niches avec les attributs qui les caractérisent. Ici, on retrouve Saturne dévorant l’un de ses enfants. Selon la tradition, calquée sur le mythe grec de Cronos, pour éviter que ne s’accomplisse la prédiction selon laquelle il serait détrôné par l’un de ses enfants, Saturne dévora chacun d’eux à leur naissance.

Maître IB (école allemande, début du XVIe siècle)

“Emblèmes avec espoir, tribulation, envie et tolérance”, gravure au burin sur papier vergé, 1529, 145 x 84 mm, inv. 690 559 folio 114.

Cette gravure a été réalisée par un artiste allemand du début du XVIe siècle qui n’a pas encore été identifié. Son monogramme reste utilisé pour mentionner son nom. L’espérance debout entre la vie et la tribulation. Celle-là, à droite, bat avec un marteau triplé le cœur d’un homme vertueux que l’envie tient sur une enclume posée sur la tolérance qui est couchée à terre. Ces quatre passions sont exprimées par des figures de femmes, dans une forme de médaillon ménagé dans une table qui est suspendue à une colonne, au pied de laquelle sont assis deux génies. La beauté de cette gravure réside dans l’utilisation d’un fond entièrement gravé, hachuré, donnant un rendu totalement noir. Ainsi, le motif apparaît très en volume, comme un élément sculpté, un bas-relief.

Pomedelli, Giovanni Maria (1478?-1537?)

[Animaux de basse cour], gravure au burin sur papier vergé, 1534, 143 x 144 mm, inv. 690 559 folio 20.
Giovanni Maria Pomedelli est un orfèvre, peintre, graveur et médailleur italien qui a travaillé dans la région de Vérone. Seules six gravures sont connues de cet artiste. Trois sont signalées au British Museum, une au cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale de France. Cette gravure représente de nombreuses volailles, canards, coqs, poules, probablement dans une basse cour. Le monogramme de l’artiste figure en bas au centre : une poire traversée par un paraphe (sorte de Z par dessus le fruit).

Pencz, Georg (1500?-1550)

“Joseph vendu à des marchands Ismaëlites”, gravure au burin sur papier vergé, 1546, 124 x 86 mm, inv. 690 559 folio 116.

George Pencz est un peintre et graveur allemand de style maniériste. Formé à l’atelier d’Albrecht Dürer, il voyage en Italie où il est profondément marqué par l’art de Marcantonio Raimondi. Cette gravure fait partie d’une suite de quatre estampes illustrant l’histoire de Joseph dans l’Ancien Testament. Joseph, debout à gauche, est vendu par ses frères à des marchands Ismaëlites.

Delaune, Étienne (1518?-1583)

“Mêlée de guerriers nus”, gravure au burin sur papier vergé, 70 x 223 mm, Rés. 4176 folio 1.

Étienne Delaune est un orfèvre et graveur français de la Renaissance. Son œuvre gravé est important. Cette estampe fait partie d’une suite de douze gravures en forme de frise sur fonds noir. Celle-ci présente des guerriers nus armés de massues et d’arcs qui se précipitent les uns contre les autres. Certains d’entre eux portent des panaches de plumes sur la tête et à la ceinture. On remarque  en bas à gauche la signature du graveur dont la première lettre est gravée à l’envers “Stephanus Fecit”.

Leu, Thomas de (1555?-1612?) d’après Antoine Caron (1521-1599)

“Ajax Locrien”, gravure au burin sur papier vergé, 239 x 192 mm, Rés. 4154 folio 45.

Thomas de Leu est un graveur et éditeur d’estampes d’origine néerlandaise. Il est un des grands représentants de la gravure française du XVIe siècle. Son œuvre est volumineux notamment les portraits. Ici, c’est un thème  de la mythologie grecque qui est illustré, un épisode de la guerre de Troie : Ajax, fils du roi de Locride, qui a éveillé la colère des dieux, est représenté écrasé sous le rocher sur lequel il s’était réfugié, fendu d’un coup de trident par le dieu Apollon. La composition a été gravée par Thomas de Leu d’après une œuvre d’Antoine Caron, peintre français de la Renaissance.

Joannes Wierix (1549?-16..) d’après Albrecht Dürer (1471-1528)

“Melencolia I” gravure au burin sur papier vergé, 1602, 243 x 193 mm, 690 559 folio 44.

Joannes Wierix est un illustre graveur flamand issu d’une grande dynastie de graveurs. Les Wierix ont beaucoup gravé d’après Dürer. Joannes reprend ici une œuvre très célèbre créée par Albrecht Dürer en 1514, Melencolia I. Cette œuvre est composée de multiples objets et éléments symboliques : un livre, un compas, une bourse, des clés, un sablier, une cloche, un cadran solaire, un carré magique, un polyèdre, etc. À droite de la composition, l’ange, par sa posture et l’expression de son regard, exprime avec force le tempérament de la mélancolie. Cette œuvre a été très étudiée par les historiens de l’art et sa complexité laisse, aujourd’hui encore, de nombreuses hypothèses différentes quant à sa signification.

Saenredam, Jan Pietersz (1565?-1607)  d’après Goltzius, Hendrick (1558-1617)

“Les trois sortes de mariage (n°1 et n°2)”, gravure au burin sur papier vergé, 235 x 164 et 236 x 164 mm, inv. 699 033.

Jean Saenredam est un peintre, dessinateur et graveur maniériste hollandais. Il a été formé dans l’atelier d’Hendrick Goltzius, un autre peintre et graveur néerlandais célèbre. Il a beaucoup gravé d’après Goltzius et son œuvre compte un peu plus d’une centaine d’estampes. Les deux gravures présentées ici font partie d’une suite de trois estampes illustrant trois sortes de mariage : à gauche, le mariage qui se fait dans la seule vue du plaisir, et auquel préside l’Amour. À droite, le mariage dont le principal motif est les richesses, et qui est l’ouvrage du démon. Le traitement des drapés, des figures et des corps illustre parfaitement le courant maniériste.

Reni, Guido (1575-1642) d’après Parmigianino (1503-1540)

“La fille portant le coussin”, eau-forte sur papier vergé (1590-1642), 168 x 83 mm, inv. 690 558 folio 134.

Guido Reni est un peintre et graveur italien, figure dominante de l’École de Bologne. Son œuvre gravé compte une soixantaine d’estampes. Il grave d’après ses propres dessins mais aussi ceux d’autres maîtres de son temps. Ainsi, il réalise ici la gravure d’une jeune femme regardant un coussin qu’elle tient dans ses bras d’après le dessin de Parmigianino conservé aujourd’hui à la Galerie Nationale de Parme (Inv. n°510/25).

Israël Silvestre (1621-1691) : les 400 ans de sa naissance.

Cette année, Nancy fête les 400 ans de la naissance de l’un de ses célèbres artistes : Israël Silvestre. Dessinateur et graveur de talent, il a réalisé des milliers de vues topographiques et de paysages. Une exposition-dossier, réalisée par les équipes du Musée des Beaux-arts, du Musée lorrain et des Bibliothèques de Nancy,  présente du 02 juillet au 03 octobre 2021 une quarantaine de gravures de l’artiste.

Qui est Israël Silvestre ?

 

Gérard Edelinck (Anvers, 1640 – Paris, 1707) d’après Charles Le Brun (Paris, 1619 – Paris, 1690) Portrait d’Israël Silvestre après 1670 ? Eau-forte et burin, 3ème état Bibliothèques de Nancy, TS 10 Silvestre 1
Gérard Edelinck (Anvers, 1640 – Paris, 1707) d’après Charles Le Brun (Paris, 1619 – Paris, 1690), Portrait d’Israël Silvestre, après 1670 ?, eau-forte et burin, 3ème état, Bibliothèques de Nancy, TS 10 Silvestre 1

Né en 1621 à Nancy, Israël Silvestre est baptisé le 15 août 1621 à la paroisse Saint-Epvre. Son père, Gilles Silvestre, était devenu peintre à la suite de son mariage avec Élisabeth Henriet, fille du peintre du duc de Lorraine Claude Henriet (v.1590/1594-1661). Son parrain fut son oncle Israël Henriet, éditeur de gravures de Jacques Callot (1592-1635).

Israël Silvestre, âgé d’une dizaine d’années, part rejoindre son oncle à Paris après la mort de son père. Israël Henriet lui apprend d’abord à dessiner à la plume d’après les dessins de Callot, puis lui enseigne la gravure à l’eau-forte. Comme d’autres artistes, il fait son voyage à Rome, à plusieurs reprises. Le premier séjour a lieu entre 1638 et 1641. De cette période datent plusieurs dessins et gravures.

À Paris, Israël Silvestre se lie d’amitié avec un autre graveur, Stefano della Bella (1610-1664), qui travaille alors dans l’atelier de son oncle. En 1661, Israël Henriet décède et fait de son neveu son unique héritier. Israël Silvestre récupère donc à cette occasion l’intégralité du fonds d’éditeur de son oncle, dont les matrices des œuvres de Jacques Callot.

Excellent dessinateur et graveur, Israël Silvestre est nommé graveur ordinaire le 20 mars 1663. Il participe alors à la grande entreprise du Cabinet du Roi, destinée à propager la gloire du roi à travers des gravures illustrant les victoires, les grandes batailles mais aussi les fêtes, les châteaux et maisons royales françaises.

Israël Silvestre (Nancy, 1621 – Paris, 1691), Vue de l’hôtel de Soissons, autour de 1650, feuille d’une suite de 16 pièces dessinées et gravées par Silvestre, présentant des vues de Paris et des environs, eau-forte, Bibliothèques de Nancy, P-FG-ES-07148

Agréé à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1666, il reçoit toujours plus de commandes royales et son succès n’est plus à faire. En 1674, Louis XIV le nomme maître à dessiner de monseigneur le Dauphin, il est alors chargé d’apprendre le dessin au jeune prince, et il l’initie à l’art de la gravure à l’eau-forte.

Israël Silvestre meurt le 11 octobre 1691 à l’âge de 70 ans, laissant derrière lui un œuvre gravé important de plus d’un millier d’œuvres.

Dessinateur, graveur, éditeur et marchand

Excellent dessinateur et graveur, Israël Silvestre connaît le succès rapidement de son vivant. Si son corpus de gravures est relativement bien connu, son travail de dessinateur a fait l’objet en 2018 d’une exposition au musée du Louvre permettant de mettre en lumière ce pan moins connu de son talent.

Gabriel Pérelle (Vernon, 1604 – Paris, 1677), d’après Israël Silvestre (Nancy, 1621 – Paris, 1691), Vue des jardins et parterres de la Maison de Gondy à Saint-Cloud, feuille appartenant à un ensemble de 2 pièces dessinées et gravées par Silvestre, présentant des vues du château de Saint-Cloud, eau-forte, Bibliothèques de Nancy, P-FG-ES-07198

Silvestre fut aussi éditeur et marchand. Il possédait non seulement ses propres plaques mais aussi le fonds de matrices de son oncle Israël Henriet, parmi lesquelles celles de Jacques Callot ou de Stefano della Bella. Dès 1659, il obtient du roi la permission exclusive d’imprimer ses propres ouvrages et, en 1661, d’imprimer les planches de Jacques Callot. À partir de 1662, il les imprime après y avoir apposé son « excudit ». En 1684, il obtient la permission d’imprimer les cuivres de Stefano della Bella.

Son travail est recherché et collectionné dès le XVIIe siècle. Après sa mort, Silvestre continue à être très apprécié et ses œuvres suscitent toujours l’engouement des collectionneurs.

Les œuvres de Silvestre à la Bibliothèque Stanislas

La commémoration de l’anniversaire de la naissance d’Israël Silvestre a été l’occasion de faire le point sur son œuvre au sein des collections de la bibliothèque.

L’œuvre de Silvestre figure dans différents classements à la bibliothèque :  par artiste, par localité, par fonds de collectionneur et dans les recueils factices d’estampes. Le fait que les œuvres ne soient pas rassemblées empêche d’avoir une vison d’ensemble de la collection. La préparation de l’exposition a permis de mettre en lumière un ensemble de plus de 1100 gravures concernant l’artiste.

Israël Silvestre (Nancy, 1621 – Paris, 1691), Nancy, eau-forte, dessinée et gravée par Silvestre, Nicolas Cochin (Troyes 1610 – Paris 1686) et Adam Perelle (Paris 1640 – Paris 1695), Bibliothèques de Nancy, H-FG-ES-00003

La collection d’estampes « en feuille » se compose d’environ 450 gravures. Une centaine d’entre elles font partie de la collection Thiéry-Solet. Pour les recueils factices de gravure, cinq contiennent exclusivement des estampes de l’artiste et deux,  de nombreuses gravures d’auteurs différents, parmi lesquels, Israël Silvestre. Au total, les recueils contiennent environ 650 gravures d’Israël Silvestre.

  • M-FG-AL-00028 : recueil factice de gravures ayant appartenu à un collectionneur lorrain du XVIIIe siècle, libraire, Jean-François Nicolas (1710-17..). Composé de gravures de différentes écoles, il avait cependant rassemblé dans ce volume plus de 300 œuvres du lorrain Israël Silvestre.
  • P-FG-AL-00038 et 00039 : ensemble de deux volumes de gravures d’Israël Silvestre constitués au XVIIIe siècle contenant 259 estampes.
  • P-FG-AL-00037 : recueil factice constitué des 13 vues de Nancy et de la Lorraine.
  • M-TS-AL-00002 : recueil ayant appartenu au collectionneur lorrain Jean-Baptiste Thiéry-Solet (1803-1889). Il avait rassemblé dans ce volume 17 gravures de grand format concernant le château de Versailles.
Israël Silvestre (Nancy, 1621 – Paris, 1691), Vue en partie du Palais de Nancy, eau-forte, Bibliothèques de Nancy, P-FG-ES-00066
  • M-TS-AL-00003 : recueil de gravures ayant d’abord appartenu à la collection de Philippe d’Orléans (1674-1723), régent du royaume de France, avant d’être acquis par le collectionneur lorrain Jean-Baptiste Thiery-Solet (1803-1889). Il se compose d’une sélection de 31 gravures de grand format représentant les maisons royales et villes de France.

La mise en ligne des œuvres d’Israël Silvestre est en cours. Certaines épreuves et recueils sont déjà accessibles sur le site Limédia Galeries. Une exposition virtuelle y reprend en partie l’exposition présentée au Musée des Beaux-arts du 02 juillet au 03 octobre 2021.

Bibliographie :

Gady (B.) et Trey (J.), La France vue du grand siècle, dessins d’Israël Silvestre (1621-1691), catalogue de l’exposition présentée au Louvre du 15 mars au 25 juin 2018, Paris : Musée du Louvre, 2018.

Grivel (M.), « Éloge d’un « graveur paresseux », Israël Silvestre (1621-1691)» dans « Fort docte aux lettres et en l’architecture » Mélanges en l’honneur de Claude Mignot, Paris : Sorbonne Université presses, 2019, p. 459-513.

 

Enseigner l’histoire de la gravure en Lorraine

Depuis trois ans maintenant, la Bibliothèque Stanislas accueille les étudiants en master 1 d’histoire de l’art de l’Université de Lorraine dans le cadre de leur formation sur l’histoire de la gravure en Lorraine. Durant plusieurs séances, les étudiants découvrent à travers l’examen des œuvres originales, le talent des maîtres graveurs lorrains Jacques de Bellange (1575?-1616), Jacques Callot (1592-1635) et Sébastien Leclerc (1637-1714).

L’origine du projet

La bibliothèque de Nancy accueille tout au long de l’année les chercheurs et les étudiants pour les aider dans leurs travaux. Depuis une dizaine d’années, la Bibliothèque Stanislas cherche à établir un lien plus fort avec l’Université de Lorraine et plusieurs projets de recherche ont été menés en collaboration avec les professeurs d’histoire et d’histoire de l’art de l’université de Nancy1. Chaque année, au moment de la rentrée, la Bibliothèque Stanislas propose des sujets de recherche et des stages aux étudiants en histoire de l’art afin de faire avancer la recherche sur les collections. Depuis longtemps, l’idée de proposer des cours universitaires in situ a été discutée avec les professeurs mais par manque de temps ou à cause des difficultés d’organisation, le projet n’avait jamais pu aboutir.

Les étudiants assistent au cours en bénéficiant de la projection du diaporama sur écran et de l’examen des œuvres originales conservées à la bibliothèque.

Pierre Wachenheim, maître de conférences en histoire de l’art moderne, sensible à l’art de l’estampe, a souhaité que les étudiants de l’Université de Lorraine connaissent ce médium et qu’ils connaissent le nom de ces artistes lorrains qui ont fait la renommée de la gravure française. Il a donc délocalisé plusieurs de ses séances de cours à la Bibliothèque Stanislas.

Examen d’une gravure de Bellange avec un compte-fil

Des cours à deux voix

Durant les différentes séances la présentation s’est organisée à deux voix. Le cours s’articule autour de la présentation d’estampes, avec des apartés sur la conservation, le papier, la manipulation, les particularités d’exemplaires, etc. La présentation se fait à la fois par la projection d’un diaporama mais aussi par la présentation des gravures originales. Chaque étudiant a la possibilité d’examiner l’œuvre originale, de comparer parfois deux épreuves de la même gravure et d’en mesurer les nuances d’encrages, les différents états ou de se rendre compte de la taille réelle des œuvres (la diffusion sur écran est souvent trompeuse !)

Projection de deux états différents du portrait du graveur lorrain Sébastien Leclerc.

En parallèle, les ouvrages nécessaires à l’étude d’un artiste ou du sujet sont présentés pendant le cours et restent à disposition des étudiants à la Bibliothèque Stanislas pour une lecture plus approfondie.

Des livres utiles à l’étude des graveurs lorrains sont présentés lors de chaque séance. Ici, l’étude de l’œuvre gravé de Jacques Callot peut être abordée grâce aux usuels accessibles en permanence en salle de consultation patrimoniale.

Donner le goût de l’estampe

Les étudiants en histoire de l’art ont souvent préféré l’étude des « arts majeurs » aux « arts mineurs ». La peinture, la sculpture ou l’architecture ont souvent la faveur des jeunes chercheurs et peu d’entre eux se consacrent à l’histoire de la gravure. Est-ce par désintérêt ? Est-ce par méconnaissance ? Il faut dire que l’histoire de l’estampe est peu enseignée aux étudiants et la plupart de ceux reçus lors de ces séances ont totalement découvert cet art. La première séance était donc tout naturellement consacrée aux différentes techniques de l’estampe pour la période moderne. Découverte des outils, des matrices, des papiers, des filigranes, de l’encrage, de l’édition, etc.

Outils de gravure et matrice en bois (fonds Jamar)

 

Un étudiant regarde les détails de la gravure à l’aide d’un compte fil.

Puis les séances suivantes ont permis aux étudiants de découvrir les artistes lorrains les plus célèbres : Pierre Woeiriot de Bouzey (1532-1596?), Gabriel Salmon (14..-15..), Jacques de Bellange, Jacques Callot, Israël Silvestre (1621-1691) et Sébastien Leclerc. Des œuvres majeures ont également été présentées notamment la pompe funèbre de Charles III, série de gravures illustrant les cérémonies des obsèques du duc de lorraine Charles III en 1608, gravées par Mathieu Merian (1593-1650) et Friedrich Brentel (1580?-1651).

Recueil des œuvres de Sébastien Leclerc.

Cette médiation sur l’estampe porte ses fruits puisque dès la première année, plusieurs étudiants ont manifesté leur intérêt pour ce médium. Certains ont orienté leur sujet de master sur des graveurs ou des ensembles gravés conservés dans les institutions lorraines.

  1. Par exemple, plusieurs étudiants de licence d’histoire ont participé à l’identification des personnes citées sur le site « Le Journal de Durival  » []

A propos du « Plan général des deux villes de Nancy » par Belprey

Parmi les nombreux plans de Nancy qui furent réalisés au xviiie siècle, celui de Belprey est probablement le plus célèbre. D’une taille impressionnante, il représente la ville en perspective et, est accompagné de douze vignettes illustrant les commandes ducales. Levé et gravé par un certain « Belprey » l’un des brigadiers des gardes du Roi Stanislas en 1754, il est attribué soit à Nicolas soit à Thomas.

Le plan général des deux villes de Nancy

Levé et gravé par Belprey en 1754, le plan mesure 86 cm de hauteur sur 124 cm de largeur. Gravé à l’eau-forte sur quatre matrices en cuivre, il se présente à l’origine sous la forme de quatre feuilles à assembler pour constituer le plan complet. Les feuilles sont alors découpées puis assemblées soigneusement pour que le motif soit parfaitement continu.

Belprey (Nicolas), Plan général des deux villes de Nancy et des nouveaux édifices que sa majesté le Roy de Pologne Duc de Lorraine et de Bar y a fait construire, gravure à l’eau-forte et au burin sur papier vergé, H-FG-ES-00040

Le plan est représenté en perspective et accompagné de douze vignettes illustrant les commandes ducales : hôpital Saint-Julien, portail de la primatiale, nouvelle intendance, Maison de la Mission Royale, portail de l’église de Notre-Dame de Bonsecours, ancien hôtel de l’intendance,  Bourse, un des quatre pavillons de la place Royale, façades opposées à l’Hôtel de ville, façade de l’Hôtel de ville, statue de Louis XV et Arc de triomphe ou porte Royale.

Certaines vignettes sont erronées car elles présentent des détails plus proches des vignettes gravées par Jean-Charles François (1717-1769) pour le Recueil de Héré, que de la réalité. Par exemple, on aperçoit deux travées de trop sur le bâtiment de l’ancienne intendance.

Publiées avant l’achèvement des travaux, elles peuvent montrer un projet non retenu (fronton à l’intendance, absence des allégories de la statue royale).

Nicolas ou Thomas Belprey ?

Dans le titre gravé il est fait mention de l’auteur de ce plan : « levé par Belprey, l’un des brigadiers de ses gardes en 1754 ». Cette phrase avait permis à Albert Jacquot dans son Essai de répertoire des artistes lorrains1d’attribuer ce plan à Thomas, s’appuyant pour cela sur les archives de Nancy publiées par Henri Lepage en 18652.

Sa première source figure dans le tome II p. 381, il est fait mention d’une somme payée pour l’année 1753-1754 « au sieur Belprey, brigadier des gardes-du-corps du roi de Pologne, pour dix exemplaires des plans des villes de Nancy ».

Sa seconde source se trouve dans le tome III p. 348 où il est fait mention, pour les baptêmes de la paroisse Notre-Dame de « 1701. 14 juillet. Louis, fils de Thomas Belprey, garde de S.A.R., et de Catherine Lafrené ».

Sa troisième source se trouve dans le tome IV appelé aussi « Documents inédits » mais elle ne fait que citer une épreuve du plan de Belprey tirée sur satin.

Il n’y a donc comme source qu’une seule mention d’un prénom attaché au nom de Belprey, mais la réalisation du plan de Nancy n’y est pas associée. D’autre part, si l’on considère l’âge de Thomas Belprey d’après les sources, âgé probablement entre 15 et 20 ans au minimum au moment de la naissance de son enfant, il aurait alors plus de 74 ans au moment de la gravure du plan. L’hypothèse de Thomas Belprey comme auteur du plan semble donc plutôt fragile.

Dans l’acte de baptême de 1701 de Louis Belprey, fils de Thomas Belprey, il est précisé que Thomas occupe la fonction de « garde de S.A.R ». Il s’agit donc de la fonction de garde au service du duc de Lorraine Léopold. Il ne peut pas, là encore, être rattaché à la fonction de « brigadier des gardes du corps du roi de Pologne ».

Nicolas Belprey

Sans lien de parenté apparent avec Thomas, Nicolas Belprey est né à Toul le 26 octobre 17133. Il est le fils de Laurent Belprey, marchand orfèvre à Toul et de Marie Guignot. Nicolas Belprey est un descendant d’une dynastie d’orfèvres,  enracinée à Toul, où quatre générations portant le nom de Belprey sont identifiées pour le XVIIe siècle.

Extrait de l’acte de naissance de Nicolas Belprey

Il est probable que le jeune Nicolas ait reçu une formation d’orfèvre dans l’atelier familial mais il a également fréquenté l’atelier du peintre Jean Girardet (1709-1778).

Dans son étude sur le peintre, Gérard Voreaux signalait que « Nicolas Belprey (1713-1786) a étudié dans l’atelier de Girardet »4. Les cours de peinture étaient dispensés au château de Lunéville à partir de 1752 puis dans l’atelier et la maison du peintre. À la mort de Girardet, Nicolas Belprey prononça sur la tombe du maître un émouvant hommage5.

Plusieurs anecdotes concernant la carrière artistique de Nicolas Belprey ont été rapportées au xixe siècle. Il semblerait qu’il ait été peintre — mais on ne connaît de lui aucun tableau —,  dessinateur et graveur.

En 1734, Nicolas Belprey et Françoise Ginet ont un enfant prénommé Nicolas qui naît à Ligny-en-Barrois. Nicolas et Françoise se marient en 1735 et donnent naissance à trois autres enfants tous nés à Lunéville en 1740, 1741 et 1742. Sur les registres des actes de baptêmes, il est précisé pour chacun des enfants le prénom et la fonction de leur père : « Nicolas Belprey, garde du corps de sa Majesté ».

Acte de décès de Nicolas Belprey

Nicolas Belprey décède à Lunéville le 8 avril 1786 à l’âge de 73 ans6. Il est inhumé au cimetière de la ville.

Les gravures de Nicolas Belprey

Il existe, à notre connaissance, deux autres gravures pouvant être attribuées à Nicolas Belprey. Il s’agit de deux vues du château du Prince Charles à Lunéville : Vue du château de monseigneur le duc Charles de Lorraine du côté des bosquets de Lunéville présenté à son altesse royale (M-PI-AL-00001-078) et Vue du même château du coté des jardins (M-PI-AL-00001-077).

Belprey (Nicolas), Vue du château de monseigneur le duc Charles de Lorraine du côté des bosquets de Lunéville présenté à son altesse royale, gravure à l’eau-forte et au burin sur papier vergé, M-PI-AL-00001-078
Belprey (Nicolas), Vue du même château du coté des jardins, gravure à l’eau-forte et au burin sur papier vergé, M-PI-AL-00001-077

Seule la première est signée dans l’estampe « par son très humble et très obéissant serviteur Belprey »  mais les deux gravures forment un ensemble numéroté. Le château du Prince Charles fut construit à la demande du duc Léopold pour son fils Charles-Alexandre (1712-1780) et les travaux furent terminés vers 1734. Ces deux gravures datent donc entre 1734 et 1786.

En 1882, la Société d’Archéologie lorraine et du Comité du Musée Lorrain rapporte une anecdote rappelant la carrière artistique de Nicolas Belprey. Il s’agit d’une lettre de M. Charles-François Guibal, descendant du sculpteur Barthélémy Guibal, qui raconte comment il a récupéré le portrait de son aïeul peint par Girardet et qui se trouvait dans les salles des séances de l’Académie de Stanislas, au moment des actes de vandalisme de 1792. Il précise alors que le portrait de Belprey figurait dans la galerie des portraits des membres de l’Académie de Stanislas et qu’il a pu être sauvé par son fils Nicolas au même moment que lui7

La mention de ce portrait figurant dans la galerie des portraits des membres de l’Académie de Stanislas prouve bien la reconnaissance du talent et de la notoriété de Nicolas Belprey. Malheureusement aucun tableau ou dessin de Nicolas Belprey n’est aujourd’hui connu.

Bibliographie :

Arbois de Jubainville (Paul d’), Dictionnaire biographique lorrain, Metz : Éditions Serpenoise, 2003, p. 45.

Gady (Alexandre) et Pérouse de Monclos (Jean-Marie), De l’Esprit des villes, Nancy et l’Europe urbaine au siècle des Lumières 1720-1770, Versailles : Éditions Artlys, 2005, p. 322, n° 52.

Jacquot (Albert), Essai de répertoire des artistes lorrains : les graveurs, Paris : librairie Plon, 1909, p. 8.

Voreaux (Gérard), Girardet : un peintre lorrain à la Cour du roi Stanislas, Nancy : Place Stanislas Editions, 2008, p.61 et 63.

Warin (Annie), « Nicolas Belprey, un artiste toulois au service de Stanislas », dans Études touloises, 2020, n°172, p. 23-30.

  1. Albert Jacquot, Essai de répertoire des artistes lorrains : les graveurs, Paris : librairie Plon, 1909. []
  2. Henri Lepage, Les Archives de Nancy ou documents inédits relatifs à l’histoire de cette ville, Nancy : Lucien Wiener, 1865. []
  3. Archives départementales de Meurthe-et-Moselle, registre de la paroisse Saint-Jean du Cloître de Toul, BMS, 5Mi 2E 527/R 37 p. 85 []
  4. Gérard Voreaux, Girardet, un peintre lorrain à la Cour du roi Stanislas, Nancy : Place Stanislas Editions, 2008, p. 61. []
  5. G. Voreaux (G.), id., p. 63. []
  6. Archives départementales de Meurthe-et-Moselle, Registre de la paroisse Saint-Jacques de Lunéville, 1776-1786, 5Mi 328/R24, p. 391. []
  7. voir les extraits publiés dans l’article d’Annie Warin, « Nicolas Belprey, un artiste toulois au service de Stanislas », dans Études touloises, 2020, n°172, p. 23-30. []

Claude Weisbuch : les estampes de jeunesse

Les Bibliothèques de Nancy viennent d’acquérir un ensemble de gravures de l’artiste lorrain Claude Weisbuch (1927-2014). Un lot de 79 estampes très rares, datant de sa période nancéienne, et avant 1961, année de sa consécration critique. Une acquisition qui a nécessité le montage d’un projet de financement exceptionnel, un mécénat participatif, car le montant de l’acquisition dépassait l’ordinaire budgétaire de la bibliothèque. Une opération qui a eu un grand succès et que nous avons relatée dans plusieurs articles d’Epitomé. Cette acquisition s’inscrit dans un projet global qui concerne les graveurs lorrains contemporains, qui a été mené par les Bibliothèques de Nancy sur les années 2017 à 2019.

Claude Weisbuch dans son atelier en train de graver une plaque de cuivre à la pointe-sèche (droits réservés)

Le projet «Graveurs lorrains contemporains»

La Bibliothèque Stanislas conserve une collection remarquable de livres illustrés et d’œuvres gravées permettant de retracer toute l’histoire de la gravure, en particulier l’histoire de la gravure en Lorraine. Terre de graveurs, la Lorraine a vu naître de grands talents tels Jacques de Bellange (1575-1616), Jacques Callot (1592-1635), Sébastien Leclerc (1637-1714), Victor Prouvé (1858-1943) ou encore Étienne Cournault (1891-1948). La Bibliothèque Stanislas conserve les chefs-d’œuvres de ces maîtres et a à cœur de valoriser cette collection de gravures. La bibliothèque a toujours entretenu des liens privilégiés avec les artistes lorrains contemporains, d’une part en organisant des expositions mettant en valeur leurs travaux1, d’autre part en continuant d’acquérir leurs œuvres2. Le projet « graveurs lorrains contemporains », qui s’est déroulé sur plusieurs années, a pour objectif de compléter les collections, documenter et valoriser les œuvres de ces artistes. En 2017, trois graveurs ont été à l’honneur : Jacques Hallez (né en 1923), Roland Grunberg (né en 1933) et Claude Weisbuch.

Pour Jacques Hallez et Roland Grünberg, une acquisition de plusieurs œuvres est venue compléter les collections déjà présentes dans les institutions lorraines. Des séances d’interview filmées et enregistrées ont déjà été réalisées et seront disponibles à terme sur le site de la bibliothèque numérique du Sillon Lorrain3 : Limediagaleries. Les droits d’utilisation, pour la reproduction et la mise en ligne des œuvres, ont été négociés directement auprès des artistes. Ainsi, la création graphique contemporaine lorraine pourra être accessible au plus grand nombre, dès le départ, faisant connaître le talent de ces artistes. L’artiste Michel Jamar (1911-1997), dont le fonds d’atelier est entré à la bibliothèque en 2012, fait aussi partie de ce programme. Ce travail se poursuivra pendant plusieurs années.

La récolte, lithographie, 1953, M-FG-ES-00318 (droits réservés)

En 2018, les œuvres de jeunesse de Claude Weisbuch sont entrées dans les collections grâce à la réussite du mécénat participatif. D’autres acquisitions et donations sont venues enrichir les collections. Parmi les ensembles les plus importants : des gravures de Jean-François Chevalier, d’Elisabeth Poydenot d’Oro et des dessins de Jean-Charles Taillandier. En 2019, ce sont des œuvres du graveur Henri Lalevée et de Jacques Linard qui ont intégré les collections.

Claude Weisbuch

Né à Thionville en 1927, Claude Weisbuch a passé son enfance à Nancy. Né d’une mère lorraine et d’un père ingénieur d’origine roumaine, il grandit dans ce climat lourd et pesant des années 1930 où la crise économique, la montée des dictatures et du racisme annoncent un avenir incertain. Devant les menaces qui pèsent sur la communauté israélite, son père prend la décision de quitter Nancy pour passer en zone dite « libre ». Une période d’angoisse et de peur que l’artiste exprimera plus tard dans certaines de ses œuvres. Exilé à Roanne le temps de l’occupation allemande, Claude Weisbuch rencontre un professeur de français dont la personnalité va le marquer profondément, Georges Hacquard (1918-2014). Homme d’une vaste culture et d’une passion incroyable, capable de fédérer les énergies et d’attiser les jeunes intelligences, il lui transmet le goût de la culture et développe sa curiosité.

L’exode, lithographie, 1953, M-FG-ES-00336 (droits réservés)

Claude Weisbuch revient à Nancy en 1945, après la Libération, et s’inscrit à l’École des Beaux-Arts. Il suit avec assiduité les cours de dessin et de composition décorative de Camille Hilaire (1916-2004), nommé en 1947, et ceux d’André Vahl (1913-1983), professeur de gravure. Son amitié avec le peintre Camille Hilaire va durer quasiment un demi-siècle. Il lui enseigne les bases du dessin et l’encourage à trouver sa propre expression personnelle.

André Vahl, digne élève et successeur de Victor Prouvé, va également avoir une influence décisive sur Claude Weisbuch. André Vahl dirige l’un des ateliers les plus actifs et des mieux fréquentés, qui fournit en professeurs de gravure la plupart des grandes écoles d’art françaises. Il en est d’ailleurs ainsi pour Claude Weisbuch qui devient en 1953, à l’âge de 26 ans, professeur de gravure à l’École des Beaux-Arts de Saint-Étienne. A l’École des Beaux-Arts de Nancy, il rencontre certains grands artistes qui continuent à venir travailler de temps en temps. Ainsi, il a observé Étienne Cournault, qui donnait avec plaisir de nombreux conseils aux étudiants curieux4.

Hommage à Étienne Cournault, pointe-sèche (acquisition 2014), G-FG-ES-00119 (droits réservés)

Bercé dans la tradition de la gravure lorraine et celle des grands maîtres, Claude Weisbuch n’a de cesse d’explorer leur univers et de rendre hommage à ceux qui ont donné au cuivre toutes ses lettres de noblesse.


Premiers succès lorrains

Dès ses premières œuvres, on remarque que Claude Weisbuch s’intéresse à la figure humaine. Cette fascination l’occupera toute sa vie.

Il débute ses premières expositions à Nancy en 1951 où il présente des gravures au Club des Arts, puis en 1952, à la Librairie des Arts de Roger Mossovic. Il y présente essentiellement des dessins et des estampes. La lithographie est très présente dans ses travaux à travers des œuvres telles L’Exode ou L’Émeute, mais aussi de nombreux nus. Bien qu’il se soit éloigné de Nancy après sa nomination aux Beaux-Arts de Saint-Étienne en 1953, il est présent dans les grandes expositions consacrées aux peintres-graveurs lorrains, par la Société Lorraine des Amis des Arts, au musée des Beaux-Arts de Nancy. En 1956, il présente à l’exposition, une peinture, deux dessins et trois pointes sèches dont l’une intitulée Hommage à Victor Guillaume5. Victor Guillaume (1880-1942) faisait l’admiration de nombreux artistes lorrains car il figure parmi les novateurs et avant-gardistes. Son talent, son amour pour la Lorraine et ses paysans ont séduit Claude Weisbuch qui lui offre, par la gravure, son premier hommage.

Cette même année, il participe à un très bel ouvrage de bibliophilie édité par la Libraire des Arts et préfacé par Pierre Marot. Intitulé Paysages lorrains6, il rassemble dix estampes réalisées par des artistes lorrains. Denis Rouart, alors conservateur au musée de Nancy, dira d’ailleurs de cette estampe : « Dans sa scène des travaux des champs, il campe des paysannes dans un style expressionniste puissant qui dépasse la peine des glaneuses pour atteindre le drame de la condition humaine »7 ».

Claude Weisbuch participe encore aux expositions lorraines en 1959. D’abord au musée des Beaux-Arts de Nancy, lors de la grande rétrospective sur la gravure en Lorraine du XVIe au XXe siècle8, puis à la Librairie des Arts. Parmi les œuvres exposées on retrouve certaines thématiques qui lui sont chères comme Don Quichotte mais aussi les glaneuses.

Glaneuse, pointe sèche, M-FG-ES-00364 (droits réservés)

Du 10 au 31 octobre 1959, il présente à la Librairie des Arts un ensemble de peintures et de gravures revenant sur ses thèmes de prédilection.


Consécrations parisiennes

Le dessin occupe une part importante de son travail. On le dit déjà capable de dessiner avec une intensité d’expression rare. En 1956, il obtient le Grand Prix National de Dessin mais c’est surtout en 1957 que l’artiste va connaître son premier grand succès à Paris. Grâce aux recommandations de Camille Hilaire, il obtient la possibilité d’exposer à la galerie Saint-Placide à Paris. Une galerie importante, exposant sur deux niveaux, qui accueille en général deux artistes en même temps. Les œuvres de Claude Weisbuch sont exposées en même temps que celles du peintre Isis Kischka (1908-1973), qui n’est autre que le fondateur du Salon des Peintres Témoins de leur Temps9. Un peintre à succès et très influent qui a fait venir à la galerie nombre de grands artistes et collectionneurs. L’exposition de Claude Weisbuch est un succès et toutes ses œuvres sont vendues, dont certaines à de grands artistes comme Foujita (1886-1968). Une reconnaissance de ses pairs, des amateurs mais aussi des critiques qui ne tarissent pas d’éloges sur son travail.

La consécration arrive en 1961, avec le prestigieux Prix de la Critique10. À partir de cette date, la carrière de l’artiste connaît un succès considérable. Il participe à de nombreux projets et à des expositions dans le monde entier : Londres, Tokyo, Munich, Toronto.

La peinture prend une place plus importante dans son œuvre à partir des années 196011, mais elle garde cette particularité de l’importance du trait et de la ligne. Le dessin et la gravure sont toujours ses compagnons de route, et il choisit, dès 1966, l’illustration de grandes œuvres littéraires.

Le dormeur du val, lithographie, 1952, M-FG-ES-00319 (droits réservés)

Livres illustrés

Le premier ouvrage qu’il illustre n’est autre que le célèbre Chevalier de la Charrette, de Chrétien de Troyes, traduit de l’ancien français par Jean Frappier12. Il l’illustre de vingt-deux pointes sèches dont la virtuosité séduit le réalisateur Jean Rollin. Dans le commentaire des illustrations accompagnant l’ouvrage, Jean Rollin explique : « D’un trait tourbillonnant, le graveur projette sur le cuivre des volumes qui engendrent des êtres instinctifs et brutaux uniquement soucieux de réduire l’ennemi à merci. Ses mises en page s’équilibrent suivant une composition où tous les effets convergent pour donner à l’œuvre un brio saisissant […] Dans toutes ces gravures l’expression est portée à son point culminant d’intensité plastique et de chaleur humaine […] De Weisbuch au trait déchiqueté et dont la création s’inscrit dans le sillage de Claus Sluter, Ligier Richier, Francis Gruber, il n’y avait aucune concession à attendre. Conscient du raffinement sauvage de l’époque qui inspire son propos, il burine des personnages d’une naïveté déconcertante, animés par des sentiments simples mais énergiques. Et si la fertilité de son art leur ajoute quelque chose de grand, c’est qu’un chef-d’œuvre finit toujours par avoir l’illustrateur qu’il mérite ». Il continuera à illustrer d’autres grands auteurs comme Érasme, avec l’Éloge de la Folie en 196713, puis Machiavel en 1972 avec Le Prince14, mais encore bien d’autres auteurs tout au long de sa carrière. Un exercice qui lui plaît beaucoup car se confronter à ces textes « oblige à la réflexion ». Sensible à la beauté des grands textes littéraires, Claude Weisbuch use de sa culture et de son talent pour donner à l’œuvre une force supplémentaire à travers l’illustration. Un exercice qui demande une grande maîtrise afin d’appréhender à la fois l’esprit de l’ouvrage, les nuances de la pensée de l’écrivain tout en proposant sa propre interprétation.

Pour la plupart de ces gravures, il utilise la pointe sèche, technique la plus proche du dessin, permettant à l’artiste de travailler rapidement, sans hésitation, et d’apposer sa pensée sur la plaque de cuivre.

De l’admiration aux hommages

Dès son adolescence, Claude Weisbuch s’intéresse à certains artistes et hommes de lettres. Curieux de littérature, de théâtre, de musique, d’art et de bien d’autres domaines encore, il explore leur univers et, tout au long de sa carrière, rendra de nombreux hommages à ces hommes qui ont illuminé le monde des arts.

Jacques Callot, son compatriote lorrain, accompagne son œuvre durant toute sa vie. Passionné par l’artiste au point d’en collectionner les œuvres, il réalise, dès les années 1960, plusieurs séries rendant hommage au talent du graveur lorrain. En 1976, lors du Festival Mondial du Théâtre de Nancy, il expose à la galerie des Arts et Lettres un ensemble d’œuvres faisant écho aux personnages de la Commedia dell’Arte de Jacques Callot, eux-mêmes présentés au même moment au Musée des Beaux-Arts de Nancy. Le thème du festival cette année là étant le théâtre comique populaire, Claude Weisbuch a pu généreusement exprimer son intérêt pour l’œuvre de Callot et la Commedia dell’Arte.

Claude Weisbuch participe également à la grande rétrospective Callot de 1992. Un événement majeur pour la ville de Nancy, qui célèbre alors le 400e anniversaire de la naissance de Jacques Callot. Parmi les nombreuses manifestations, c’est l’exposition des œuvres de Claude Weisbuch qui a l’honneur d’ouvrir les festivités. Dans le catalogue de l’exposition, André Rossinot, maire de la ville, exprime toute son admiration pour son travail : « Après avoir accueilli la toute première exposition d’Art Nouveau de l’École de Nancy, les Galeries Poirel, aujourd’hui rénovées, vont abriter du 27 avril au 24 mai, 160 gravures inédites de Claude Weisbuch. Ce retour à Nancy de l’enfant prodige, chargé de la magie des nombreux succès que lui a valu son savoir-faire loin de sa Lorraine natale, constitue à lui seul un grand événement. Comme Jacques Callot, Claude Weisbuch fait partie de ces grands graveurs dont l’œuvre continue d’être diffusée internationalement […] La série d’estampes « sur Callot », que nous propose Claude Weisbuch, est sans doute la plus originale des façons de célébrer le 400e anniversaire de la naissance de Jacques Callot. C’est l’hommage d’un grand contemporain à celui qui a su révolutionner, au XVIIe siècle, l’art et les techniques de la gravure. Il était donc naturel que cette exposition soit la première inscrite à l’affiche du programme de l’année Callot. Nous ne pouvions pas mieux débuter15».

Hommage à Jacques Callot, pointe sèche, 2012 (Bibliothèques de Nancy, acquisition 2012) (droits réservés)

D’autres artistes suscitent son admiration tels Honoré Daumier (1808-1879), Tiepolo (1696-1770), Théodore Géricault (1791-1824), Eugène Delacroix (1798-1863), Gustave Courbet (1819-1877) et surtout Rembrandt (1606-1669) vont marquer une partie de son œuvre. En 1973, il organise une exposition Hommage à Rembrandt très remarquée.

Mouvements

Qualifié par de nombreux critiques comme l’artiste du mouvement, Claude Weisbuch a réalisé de nombreuses œuvres montrant la décomposition du mouvement de la figure humaine. Les violonistes, les chevaux, les danseurs et autres artistes se voient ainsi animés par un trait vif et dynamique.

Dès ses débuts, ses recherches plastiques témoignent de la volonté de traduire le mouvement. La pointe sèche, qui offre une souplesse technique proche du dessin, permet à l’artiste de donner du dynamisme à son travail. Le mouvement du trait est traduit avec toute la vigueur du geste de l’artiste. Il utilise également la lithographie, technique où la pierre remplace la feuille, qui lui permet de multiplier son dessin mais aussi de pousser cette technique jusqu’à ses limites graphiques. Certaines œuvres, graphiques ou picturales, témoignent de ce travail sur la décomposition du mouvement. La gravure intitulée Il bouge sans arrêt, exprime les préoccupations de l’artiste sur la difficulté de saisir le modèle vivant. Un mouvement du modèle qui se traduit, dans cette estampe, par le déplacement et la superposition des lignes. Dans ses peintures, l’huile sur toile nommée Il se lève, révèle également ses recherches sur la décomposition du mouvement, comme l’avaient fait au début du siècle Marcel Duchamp et Umberto Boccioni.

Des gens qui courent, 1er état, pointe sèche, P-FG-ES-06816 (droits réservés)

Les estampes de jeunesse

L’ensemble des œuvres acquises par la bibliothèque en 2018 concerne la période nancéienne de l’artiste, juste avant qu’il soit récompensé par le prix de la Critique de 1961 et donc juste avant qu’il soit célèbre. Il se compose de 79 estampes réalisées entre 1948 et 1959. Ces tirages, à très peu d’exemplaires, voire à tirage unique, témoignent d’une période de recherche plastique et technique de l’artiste.

Les deux lithographies, Le Coq d’Alicanthe et la tête de cheval (sans titre), datées de 1948, montrent une recherche esthétique intéressante de l’artiste : décomposition du motif en formes géométriques sur un plan simple où la perspective est absente. La mention de « 7e état », sur la tête de cheval, indique les nombreuses modifications faites, à travers des états successifs, pour aboutir au résultat escompté.

Sans titre [Tête de cheval], 7e état, lithographie, M-FG-ES-00332 (droits réservés)

Parmi les œuvres des années 1950, on trouve plusieurs lithographies aux motifs géométrisés mais traités à la manière de l’art cinétique. Le Cheval de Cirque, La Vague ou le Cheval des Milles douleurs sont présentés de profil, avec une architecture intérieure composée de lignes qui s’entrecroisent, colorées en noir et blanc, tel un damier en mouvement.

La figure humaine apparaît dans les estampes à partir de 1949 à travers les Toréadors noirs, L’Équilibriste, La Famille du clown ou encore les Pantomimes extraordinaires. Des œuvres réalisées dans des techniques différentes et des esthétismes très variables. Ainsi, on retrouve l’influence de la gravure d’Étienne Cournault dans au moins trois gravures de ce lot, notamment Clown ou Chevaux au bord de la mer. L’eau-forte et l’aquatinte sont très présentes, travaillées différemment, ce qui témoigne de l’expérimentation des techniques par l’artiste. L’eau-forte et l’aquatinte disparaîtront progressivement de l’œuvre de Claude Weisbuch au profit de la lithographie et surtout de la pointe sèche, techniques qui correspondent mieux à ce grand dessinateur.

Le lot d’estampes proposées à l’acquisition contient également toute une série d’œuvres, réalisées des années 1950 à 1954, s’apparentant au courant « misérabiliste » de cette période. Après la guerre, on voit apparaître en France deux courants artistiques qui s’opposent : l’abstraction et le réalisme figuratif. Ce dernier, appelé aussi réalisme social ou misérabilisme, tend à remettre la figure humaine au centre des préoccupations artistiques. Des artistes comme Francis Gruber (1912-1948)16, Bernard Buffet (1928-1999) ou Alberto Giacometti (1901-1966) en deviennent les grands représentants. Claude Weisbuch, inspiré par ce courant, va produire une grande quantité de paysannes et de paysans lorrains, marqués par le poids du labeur ou l’horreur de l’histoire. A travers des compositions épurées, mais très graphiques, un dessin anguleux, sans ombre, ni profondeur, il fait naître des personnages d’un expressionnisme puissant. Le crayon lithographique de Claude Weisbuch emprunte ici ce trait particulier, que l’on retrouve dans les compositions de Bernard Buffet et les dessins d’Alberto Giacometti.

Portrait d’homme, 3/18, lithographie, M-FG-ES-00328 (droits réservés)

Les œuvres des années 1955 à 1959 font la part belle à la pointe sèche et révèlent progressivement le style de l’artiste. Un trait fort et affirmé, une composition épurée mais puissante et une recherche incessante du mouvement de la figure. Ainsi, on retrouve la pureté et le velouté de la technique de la pointe sèche à travers Les Glaneuses ou Semeur. Des œuvres expressives comme Le portrait de Mme B. ou Le Nuage rappellent également l’influence de l’œuvre de Francis Bacon. La Peur du Noir, œuvre acquise par la Bibliothèque en 2014, en est un exemple parfait17.

Le travail sur le mouvement s’exprime à travers les œuvres comme Les Gens qui courent, Le Vent, Semeur ou Faucheur.

Le vent, pointe sèche, 1957, M-FG-ES-00351 (droits réservés)

L’ensemble de ces estampes témoignent des influences multiples dans l’œuvre de Claude Weisbuch. Imprégné de tous les courants artistiques qui ont constitué l’École de Paris, il trouve un style qui lui est propre dans les nuances du cubisme, du futurisme, ou du misérabilisme. L’histoire et les traditions lorraines occupent une place de choix dans ses œuvres : on y sent tout l’amour du maître pour sa terre natale.

  1. Parmi les expositions importantes, il faut citer celle de 1994, Les graveurs lorrains et l’art du Livre, où figuraient les œuvres de nombreux graveurs lorrains anciens et contemporains, dont Claude Weisbuch, et l’exposition intitulée Six graveurs à Nancy organisée en 2002. Il y a également eu quelques expositions monographiques, notamment celles consacrées à Jacques Hallez en 2007,  Roland Grünberg en 2004, Jean-Charles Taillandier en 2005 et Jean-François Chevalier en 1996. []
  2. Voir le catalogue Achats et Dons, quinze années d’enrichissement des collections de la bibliothèque 1993-2008, Nancy, 2009. []
  3. Une bibliothèque numérique de référence mettant en ligne les collections numérisées de quatre grandes bibliothèques du Sillon Lorrain : Nancy, Metz, Épinal et Thionville. []
  4. Je tiens à remercier Jacques Hallez et Henri Claude, qui m’ont beaucoup parlé de l’ambiance qu’il y avait à l’atelier de gravure de l’École des Beaux-Arts à cette époque, des liens entre les anciens élèves et les jeunes apprentis. []
  5. Peintres et graveurs lorrains, Société Lorraine des Amis des Arts, Nancy, 1956. []
  6. Paysages Lorrains : 10 gravures originales, présentées par Pierre Marot, 1956, Librairie des Arts, Nancy. []
  7. Rouart (Denis), Paysages lorrains, dans le Pays Lorrain, Nancy, 1957, p.29-30. []
  8. La Gravure sur cuivre en Lorraine du XVIe au XXe siècle, Société Lorraine des Amis des Arts, 1959. []
  9. Salon des peintres témoins de leur temps est une exposition d’art annuelle (mars-avril-mai) fondée par Isis Kischka en 1951 et se tenant au musée Galliera sur un thème particulier renouvelé chaque année. []
  10. Le Prix de la Critique est une récompense instaurée par la Galerie Saint-Placide à partir de 1942. Ce prix a contribué à la notoriété de cette galerie. []
  11. Exposition à la Galerie Hervé à Paris, en 1960, d’une trentaine de toiles rassemblées sous le titre Les Pantomimes extraordinaires ou Parade du mensonge []
  12. Chrétien De Troyes, Le Chevalier de la Charrette, traduit du vieux français par Jean Frappier, illustré de pointes-sèches par Claude Weisbuch, précédé d’un fascicule comprenant une présentation par Mr. Paul Imbs et un commentaire de l’illustration de Claude Weisbuch par Mr. Jean Rollin et remerciement de Jean Frappier, Beaux Livres Grands Amis, Paris, 1966. []
  13. Érasme, Éloge de la Folie, traduit par André Berry, lithographies de Claude Weisbuch., Bièvres, Paris, 1987. []
  14. Machiavel, Le Prince, illustré de 24 pointes sèches de Claude Weisbuch, Fogola, Turin, 1972. []
  15. Weisbuch, Exposition du 27 avril au 24 mai, Galeries Poirel, Nancy, 1992. Voir également Weisbuch, l’œuvre gravé autour d’un hommage à Jacques Callot, Galerie Visions Nouvelles, Nancy, 1992. []
  16. Claude Weisbuch avait beaucoup d’admiration pour Francis Gruber (1912-1948). Né à Nancy, fils du maître verrier Jacques Gruber, il fut l’un des grands représentant du « misérabilisme ». Mort prématurément à l’âge de 36 ans, il sera à l’honneur de l’exposition des graveurs lorrains de 1956 au Musée des Beaux-Arts, à laquelle participe Claude Weisbuch. []
  17. En 2014, année du décès de Claude Weisbuch, la Bibliothèque Stanislas a fait l’acquisition de huit œuvres de l’artiste dont La Peur du Noir. []

Balzac et Grandville : une fantaisie mordante

La maison parisienne de Balzac, nichée sur les hauteurs de Passy, dans le 16e arrondissement, a rouvert ses portes le 23 juillet 2019, après un an de travaux d’accessibilité, de rénovation du jardin et de modernisation. Pour sa première exposition, l’institution a choisi de mettre en avant les liens d’amitié qui unissaient l’écrivain Honoré de Balzac (1799-1850) et l’illustrateur Jean-Ignace Gérard dit Grandville (1803-1847). Une exposition présentée du 26 septembre 2019 au 13 janvier 2020, pour laquelle la Bibliothèque Stanislas et le Musée des beaux-arts de Nancy ont prêté plus d’une cinquantaine d’œuvres.

 

La maison de Balzac se situe un peu en contrebas de la rue, son jardin offre une vue imprenable sur la Tour Eiffel.

Dans les salles de presse

Étrennes au peuple, dessin à l’encre sur traits au crayon graphite, Bibliothèques de Nancy, P-TS-DE-00157

Les premiers journaux illustrés  du début du XIXe siècle font une large place aux gravures et aux commentaires qui les accompagnent. Dans les salles de rédaction, illustrateurs et rédacteurs se côtoient. C’est ainsi que Jean-Ignace Gérard dit Grandville et Honoré de Balzac se rencontrent. Grandville est alors connu pour ses caricatures animalières et les premiers dessins qu’il fournit aux journaux restent dans cette veine. À ces fantaisies succèdent des caricatures politiques d’abord contre Charles X puis contre le gouvernement de Louis Philippe. Les divergences politiques de Grandville, plutôt républicain, et de Balzac, plutôt monarchiste, vont entraîner leur éloignement progressif, à partir de 1831.

Digestion du budget. Travail administratif, politique, moral et surtout économique, dessin à l’encre sur traits au crayon graphite, Bibliothèques de Nancy, P-TS-DE-00156

Balzac commentateur de Grandville

Balzac est l’un des seuls écrivains de son temps à s’intéresser aux dessinateurs. Les relations entre Balzac et Grandville sont certainement excellentes car Balzac écrit trois articles où il vante les œuvres du jeune artiste. Ce sont les œuvres Voyage pour l’Éternité, Mœurs aquatiques et Bacchanales qui retiennent l’attention de l’écrivain.

Vitrine pour Voyage pour l’Éternité

À propos de Voyage pour l’Éternité, publié en 1830, Balzac dira : “Un homme naît avec une jolie figure ou laid comme un Osage, et l’on meurt bien ou mal, voilà toute la question : mourir jeune c’est se trouver en bonne fortune. Telle est l’analyse du délicieux album de M. Grandville. Nous en avons faiblement traduit la spirituelle moralité, les tableaux comiques. De la profondeur philosophique et de la caricature, voilà ce qu’on ne fait qu’en France et qu’à Paris. M. Grandville avait donné de la bêtise aux hommes, de l’esprit aux animaux, il vient de donner de la gaieté à la mort.”[[ extrait de l’article “Voyage pour l’Éternité […]. Album funéraire, par Grandville […]” La Silhouette, 15 avril 1830]]

La Mort en Cupidon tire du lit un haut dignitaire, dessin à la plume et encre brune sur traits de crayon graphite, 138 x 181 mm, Musée des beaux-arts de Nancy, inv. 877.643

Grandville illustrateur de Balzac

Les lois sur la presse rétablissent la censure à partir de 1835, mettant fin ainsi à la caricature politique. Aussi, Grandville est-il contraint de se reconvertir dans l’illustration. A partir de 1840, il participe à deux grandes entreprises éditoriales réunissant des textes d’écrivains connus : Les Français peints par eux-mêmes et les Scènes de la vie privée et publique des animaux.

Scènes de la vie privée et publique des animaux, dessin à l’encre sur traits aux crayon graphite, Bibliothèques de Nancy, P-TS-DE-00171

Pour Scènes de la vie privée et publique des animaux, Honoré de Balzac fourni cinq textes qui seront illustrés par Grandville. Cet ensemble de soixante et onze gravures caricature la vie publique et l’actualité parisienne au travers du monde animal.

Brochures publicitaires pour “Scènes de la vie privée et publique des animaux”

L’intérêt de Grandville pour la caricature sociale le rapproche aussi d’Honoré de Balzac. L’artiste réalisera au cours de sa carrière plusieurs caricatures de Balzac mais des caricatures moins mordantes que ses charges politiques, témoignage de leurs relations amicales.

Merci aux équipes de la Maison de Balzac pour leur accueil et l’autorisation de dévoiler quelques éléments de l’exposition.

Roland Grünberg et le Nancy Jazz Pulsations

En 1973, une poignée de jeunes Nancéiens passionnés de jazz décident de monter un festival, à l’image du Festival Mondial du théâtre qui se tenait chaque été à Nancy. Une aventure qui  commence dans les greniers d’une ferme de Xirocourt, dans laquelle des groupes viennent régulièrement jouer. L’événement se déplace ensuite au Caveau de la Commanderie à Nancy. Il attire toujours plus de curieux et d’amateurs. L’idée de monter un festival est née.

Première affiche du Nancy Jazz Pulsations créée en 1973 par Roland Grünberg, sérigraphie en deux couleurs, Sérica, Nancy, 1973, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

Roland Grünberg, qui fait partie des amateurs de jazz et de musiques nouvelles, participe à la création de ce premier festival. Il crée toutes les affiches pour l’année 1973 mais également le journal du festival.

Le jazz envahit la ville et Roland Grünberg crée des chars, tous plus incroyables les uns que les autres, pour les parades dans Nancy.

Il réalise, tout au long de sa carrière, de nombreux portraits des plus grandes figures du jazz mais rend aussi hommage à de nombreux musiciens et artistes célèbres tels Chopin, Mozart ou encore Bob Marley, Bono et Mickael Jackson.

Hommage à King Buddy Bolden, sérigraphie en noir, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

En 2016, les Bibliothèques de Nancy réalisent une interview de Roland Grünberg. Il leur raconte l’histoire du Nancy Jazz Pulsations. Voici la retranscription de cet interview.

– A la suite du théâtre, vous vous êtes intéressé à un autre festival, puisque vous avez été aussi un des fondateurs du Nancy Jazz Pulsations.

“Oui j’étais toujours amateur de jazz et à un moment les amateurs de jazz de Nancy se déplaçaient pour aller dans la campagne, dans un petit bled qui s’appelait Xirocourt […] et on faisait le festival dans […] une ferme qu’on avait loué, et les musiciens venaient et ils y dormaient. Comme ils y dormaient ils n’avaient pas à rentrer en voiture avec plus ou moins de consommation alcoolique. Ça a été vraiment une aventure assez intéressante. Jusqu’au jour où on s’est dit que ce serait peut-être bien de retourner sur Nancy et nous avons curé, récuré, vidé et réaménagé des caves rue de la Commanderie. Il y avait des caves des brasseries  : alors c’est là que nous avons créé un club, le Club de la Commanderie. Et on a fait venir sur contrat des musiciens qui se faisaient payer. Alors que quand on se produisait à Xirocourt, des musiciens il y en a qui se faisaient payer, et pour avoir ceux qui se faisaient payer il fallait qu’on ait beaucoup de choses autour et donc on a pris des gens qu’on ne payait pas. Ça a toujours été l’habitude dans ces premiers festivals de demander aux gens de se produire “gratis prodeo”.

Liste des artistes ayant participé au festival en 1973. Cette liste figure au verso du programme de 1973. Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

– C’est cela qui amenait de la diversité aussi ? C’est cela qui vous plaisait ?

“Oui c’est vrai. Et finalement comme j’ai continué de dessiner, j’ai fait des dessins, des bandes dessinées, des annonces.”

Programme pour le Nancy Jazz Pulsation de 1973, procédé d’impression en couleur sur papier, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

– Vous avez fait pas mal de programmes, d’affiches, il y a de très belles affiches. On retrouve là votre style,  votre manière de dessiner, on retrouve votre univers qui se marie très bien avec cette manifestation, avec l’univers de la musique.

“Oui l’univers fantastique. Et il est même venu un moment des chars. Comme les chars de carnaval italien, des chars de 7 mètres, des chars que j’avais dessinés et réalisés en papier mâché sur grillage, mis en relief à la pince. Et ils ont paradé dans la ville de Nancy avec quelques milliers de personnes qui dansaient autour des chars. Les chars faisaient 7-8 mètres ils étaient tirés par des tracteurs. Et on ne les a même par gardés, on les a détruits.”

Photographie montrant les chars créés par Roland Grünberg défiler sur la place Stanislas lors du Nancy Jazz Pulsation en 1973, photographie en noir et blanc, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

Projet de char pour la street parade de Nancy Jazz pulsations 73, dessin à l’encre stylo et crayon graphite sur papier, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

Projet de char pour la street parade du Nancy Jazz pulsations de 1973, dessin au crayon de couleur et stylo sur papier, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

Projet de char pour la street parade du Nancy Jazz pulsations de 1973, dessin au feutre et stylo sur papier, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

– Vous avez participé au festival pendant plusieurs années, il y a eu des groupes de jazz et des jazzmen que vous avez portraiturés ?

“Oui oui et j’en ai exposé aussi. C’est vrai j’étais devenu l’artiste du festival, l’artiste maison comme j’avais été l’artiste maison du festival de théâtre.”

Portrait de Louis Armstrong, dessin à l’encre sur papier, Bibliothèques de Nancy, nouvelle acquisition

Le Nancy Jazz Pulsation 2019 se déroule du 9 au 19 octobre dans différents lieux de Nancy. Comme chaque année, des milliers d’amateurs peuvent y découvrir des groupes nouveaux et différents styles musicaux. Un événement toujours très attendu des mélomanes.

Jacques Callot : Études de chevaux

Célèbre artiste lorrain, Jacques Callot (1592-1635) a produit un nombre considérable de gravures mais aussi de dessins conservés dans les plus grandes collections et institutions du monde entier. Si les estampes sont bien connues, les dessins restent encore confidentiels pour le grand public. Pourtant, ceux-ci révèlent l’intimité créatrice de l’artiste, allant de la copie jusqu’aux travaux préparatoires aux grandes compositions gravées. La Bibliothèque Stanislas conserve un dessin de Jacques Callot, figurant des études de chevaux, qui témoigne du cheminement graphique de l’artiste.

Callot (Jacques), Études de chevaux et soldats, encre brune sur papier vergé, G-FG-AL-00001-019

L’oeuvre de Jacques Callot à la Bibliothèque Stanislas

La Bibliothèque Stanislas conserve la quasi totalité de l’œuvre gravé de Jacques Callot. Comptant plus de 1400 pièces, en différents états, ce sont au total plus de 3000 estampes de l’artiste qui y sont conservées.

Constituée dès le XVIIIe siècle, cette collection des œuvres de Jacques Callot s’est étoffée au cours des siècles par les achats, les legs et les dons de collectionneurs. Deux ensembles importants sont à signaler : les recueils de l’œuvre de Jacques Callot et la collection Thiéry-Solet.

Recueils de l’œuvre de Jacques Callot, anciennement référencés sous la cote Rés. 20, aujourdhui cotés G-FG-AL-00001 à 00003 pour les 3 volumes.

Les recueils de l’œuvre de Jacques Callot ont été constitués dans la seconde moitié du XIXe siècle à partir des œuvres en feuilles conservées à la bibliothèque. Sorte de recueils factices sur la thématique « Jacques Callot », ils contiennent à la fois les portraits de Jacques Callot, les œuvres originales, les copies, classées selon l’ordre et la numérotation proposée par Edouard Meaume en 18601. Ils forment un ensemble de trois volumes contenant plus de 1 000 œuvres.

La collection Thiéry-Solet est entrée à la Bibliothèque Stanislas en 1921. Composée d’une importante bibliothèque et d’une collection de gravures et de dessins, elle compte plus de 2000 œuvres de Jacques Callot. Jean-Baptiste Thiéry-Solet était un collectionneur éclairé de l’oeuvre de Jacques Callot, il possédait une très grande partie de son oeuvre gravé mais aussi plus de 300 matrices de ses gravures2. Il a d’ailleurs fait des retirages à partir des matrices qu’il possédait. La bibliothèque conserve également ces retirages du XIXe siècle.

Des gravures de Jacques Callot proviennent d’autres collectionneurs mais la dispersion des feuilles dans différents recueils factices ne permet pas actuellement d’en appréhender la quantité et l’originalité. Le chantier des collections en cours permettra de répertorier en détail l’ensemble de cette collection.

Si la Bibliothèque Nationale de France a déjà numérisé et mis en ligne plus de 900 gravures de l’artiste, les bibliothèques du Sillon Lorrain s’apprêtent également à mettre en ligne l’oeuvre de Jacques Callot sur Limédia galeries, offrant ainsi au public une visibilité complète de son œuvre.

Études de chevaux

Dans le premier volume des recueils de l’œuvre de Jacques Callot se trouve un dessin de l’artiste figurant des études de chevaux, de cavaliers et d’hommes combattant à l’arme à feu. Ce dessin, monté sur un papier vergé épais, entouré de plusieurs liserés d’encadrement brun et beige faits à la main, a appartenu à plusieurs collectionneurs avant d’arriver à la Bibliothèque Stanislas. La première mention figure au bas du montage, au crayon graphite : “Don Hubert Magot”. Les recueils semblent avoir été constitués par la bibliothèque elle-même, durant la seconde moitié du XIXe siècle. Ce dessin serait donc entré par don avant cette date ou à la même date.

Il y a également une autre mention de collectionneur sur ce dessin ; en bas à gauche figure un cachet de collection, estampé à l’encre noire, de forme circulaire, figurant les lettres JG. Grâce à l’aide de Laurence Lhinares, chargée de recherche à la Fondation Custodia et au Département des arts graphiques du Musée du Louvre, ce cachet de collection a pu être identifié et son signalement a permis aux équipes de la fondation Custodia d’enrichir la notice Lugt de ce cachet. Il s’agit de la marque du collectionneur anglais James Gibbs (1804-1891) (L. 1164a). James Gibbs était libraire, relieur, vendeur d’estampes mais c’était, avant tout, un collectionneur compilateur. Plusieurs milliers de feuilles composaient sa collection. Il était également bibliophile.

Callot (Jacques), Études de chevaux et soldats, encre brune sur papier vergé, G-FG-AL-00001-019 : cachet de collection de James Gibbs (Lugt L.1164a)

Ce qui est intéressant dans cette découverte, c’est que, comme d’autres dessins d’études de chevaux répertoriés par Daniel Ternois dans son catalogue des dessins de Jacques Callot3 , ce dessin porte la marque d’un collectionneur anglais. L’œuvre de la bibliothèque n’avait pas été signalée par Daniel Ternois dans son catalogue raisonné, ni dans le supplément qu’il a publié 1998. Ce dessin ne figurait pas non plus à la grande exposition Jacques Callot en 1992 au Musée Lorrain à Nancy.

 

D’après Antonio Tempesta

Les études de chevaux connues de Jacques Callot semblent toutes librement copiées par Callot d’après une suite gravée à l’eau-forte par Antonio Tempesta (1555-1630) à Rome en 1590 : Cavalli di differenti paesi […] ((Bartsch, 1803-1821, XVII, n°941-968)).

Van Panderen (E.), d’après Antonio Tempesta, Hic maculis […], planche n° 9, gravure à l’eau-forte et au burin sur papier vergé, Rés. 4119

Plusieurs de ces études, conservées au British Museum, au musée des Offices à Florence ou à l’Albertina de Vienne montrent effectivement que Jacques Callot s’est exercé à l’étude des différentes postures du cheval à partir de cette fameuses suite gravée de 1590. Cette suite a connu plusieurs éditions et a été largement diffusée. La Bibliothèque Stanislas conserve un exemplaire de cette suite, gravée d’après Tempesta par Egbert van Panderen (1581-1637), datée vers 1630 à priori. Les sujets sont fidèlement copiés en contrepartie, c’est à dire dans le sens inverse de l’original, et reprennent la légende en latin dans la partie basse de chaque planche. Chaque planche est numérotée de 1 à 30, y compris les pages de titre et dédicace. Cette suite gravée est entrée dans les collections de la Bibliothèque Stanislas suite aux saisies révolutionnaires, elle provient du Couvent des Tiercelins de Nancy.

Van Panderen (E.), d’après Antonio Tempesta, Hic maculis […], planche n°9, gravure à l’eau-forte et au burin sur papier vergé, Rés. 4119

 

Le portrait de Louis de Lorraine, Prince de Phalsbourg

Callot (Jacques), Louis de Lorraine, gravure à l’eau-forte rehaussée de burin sur papier vergé, M-TS-ES-00187

De nombreux personnages et postures de chevaux du dessin rappellent les éléments que l’on retrouve dans la gravure de Jacques Callot connue sous le nom « Portrait du Prince de Phalsbourg ». Le cheval cabré de la gravure se retrouve sur le dessin, avec exactement les mêmes caractéristiques de posture.

Callot (Jacques), Études de chevaux et soldats, encre brune sur papier vergé, G-FG-AL-00001-019 (détail)

Les soldats armés, tirant à feu, qui se trouvent sur le dessin, apparaissent également en arrière plan de ce portrait du Prince de Phalsbourg. On retrouve également la zone de fumée, en haut à droite sur le dessin, que l’on aperçoit à plusieurs endroits, dans la scène d’arrière plan, sur la gravure. Des groupes de cavaliers portant des étendards de la partie inférieure droite du dessin font écho aux mêmes groupes qui sont en arrière plan de la patte arrière du cheval.

Callot (Jacques), Études de chevaux et soldats, encre brune sur papier vergé, G-FG-AL-00001-019 (détail)
Callot (Jacques), Louis de Lorraine, gravure à l’eau-forte rehaussée de burin sur papier vergé, M-TS-ES-00187 (détail)
Callot (Jacques), Études de chevaux et soldats, encre brune sur papier vergé, G-FG-AL-00001-019 (détail)

On sait que les nombreux dessins d’études de chevaux et soldats ont été utilisés par Callot, tout au long de sa vie, pour plusieurs de ses gravures. Dans ses croquis, il travaille surtout sur les postures et les allures des chevaux. Il se sera resservi de ses propres modèles de croquis pour les inclure dans ses gravures. Ce dessin serait daté des années 1615-1617, par analogie aux autres études de chevaux dont Daniel Ternois situe la création vers le début de la période florentine (1615-1617).

Bibliographie

Ternois (D.), Jacques Callot : catalogue complet de son oeuvre dessiné, Paris : F. de Nobele, 1962.

Ternois (D.), Jacques Callot : catalogue complet de son oeuvre dessiné, Supplément (1962-1998), Paris : F. de Nobele, 1998.

Ternois (D.) (sous la direction de), Jacques Callot : 1592-1635 : actes du colloque organisé par le Service culturel du Musée du Louvre et la Ville de Nancy, à Paris et à Nancy les 25, 26 et 27 juin 1992, Paris : Klincksieck, 1993.

Choné (P.) (sous la direction de), Jacques Callot : 1592-1635. Musée historique lorrain, Nancy, 13 juin-14 septembre 1992, Paris : Réunion des musées nationaux, 1992.

  1. E. Meaume, Recherches sur la vie et les ouvrages de Jacques Callot, suite au Peintre-graveur français de M. Robert Dumesnil, Paris : Vve J. Renouard, 1860 (Nancy : impr. Raybois). []
  2. Les matrices en cuivre de Jacques Callot, de la collection Thiéry-Solet, sont conservées au Musée Lorrain []
  3. D. Ternois, Jacques Callot : catalogue complet de son oeuvre dessiné, Paris : F. de Nobele, 1962 et Supplément (1962-1998), Paris : F. de Nobele, 1998. []

Une acquisition exceptionnelle d’œuvres de Claude Weisbuch

Les Bibliothèques de Nancy souhaitent acquérir un ensemble de gravures de l’artiste lorrain Claude Weisbuch. Un lot de 79 estampes très rares, datant de sa période nancéienne, et avant 1961, année de sa consécration critique. Cette opportunité nécessite le montage d’un projet de financement exceptionnel, car le montant de l’acquisition dépasse les possibilités budgétaires de la bibliothèque. Cette acquisition s’inscrit dans un projet global qui concerne les graveurs lorrains contemporains, mené par les Bibliothèques de Nancy sur les années 2017 à 2019.

 

Le projet « Graveurs lorrains contemporains ».

 

La bibliothèque Stanislas conserve une collection remarquable de livres illustrés et d’œuvres gravées permettant de retracer toute l’histoire de la gravure, en particulier l’histoire de la gravure en Lorraine. Terre de graveurs, la Lorraine a vu naître de grands talents tels Jacques de Bellange, Jacques Callot, Sébastien Leclerc, Victor Prouvé ou encore Etienne Cournault. La bibliothèque Stanislas conserve les chefs d’œuvres de ces maîtres et, a à cœur de valoriser cette collection de gravure. Depuis toujours, la bibliothèque entretient des liens privilégiés avec les artistes lorrains contemporains. D’une part en organisant des expositions mettant en valeur leurs travaux, mais aussi en continuant d’acquérir leurs œuvres. Le projet « graveurs lorrains contemporains », qui se déroule sur plusieurs années, a pour objectif de compléter les collections, documenter et valoriser les œuvres de ces artistes. En 2017-2018 trois graveurs sont à l’honneur : Jacques Hallez, Roland Grunberg et Claude Weisbuch.

Les grandes glaneuses de Sion, lithographie

Pour Jacques Hallez et Roland Grunberg une acquisition de plusieurs œuvres, permettant de compléter les collections déjà présentes dans les institutions lorraines, est en cours. Des séances d’interview filmées et enregistrées ont déjà été réalisées et seront disponibles sur le futur site de la bibliothèque numérique du Sillon Lorrain. Les droits d’utilisation, pour la reproduction et la mise en ligne des œuvres, ont été négociés directement auprès des artistes. Ainsi, la création graphique contemporaine lorraine pourra être accessible au plus grand nombre, faisant ainsi connaître le talent de ces artistes. L’artiste Michel Jamar, dont le fonds d’atelier est entré à la bibliothèque en 2012, fait aussi parti de ce programme, mais pour la partie documentaire, mise en ligne des collections et valorisation. Un travail qui se poursuivra pendant plusieurs années pour cet artiste.

 

Claude Weisbuch

 

Né à Thionville en 1927, Claude Weisbuch a passé son enfance à Nancy. Formé à l’Ecole des Beaux-Arts de Nancy par Camille Hilaire et André Vahl, il montre rapidement son intérêt et sa maîtrise des techniques de la gravure. Récompensé en 1956 par le Grand Prix National du Dessin et en 1961 par le Prix de la Critique, il s’inscrit rapidement parmi les grands artistes contemporains, exposant ses œuvres dans le monde entier. Si de son œuvre on retient surtout les musiciens ou les acteurs de Kabuki, ses œuvres de jeunesse offrent une vision totalement différente de son travail. Des œuvres réalisées entre 1948 et 1959 qui témoignent des influences artistiques de son temps, de son attachement à sa Lorraine natale et de ses recherches plastiques et techniques.

Femmes de Nomeny, lithographie, 8/15

L’opportunité d’acquérir ce lot d’œuvres rares nécessite le montage d’un projet de financement exceptionnel, car le montant de l’acquisition dépasse l’ordinaire budgétaire de la bibliothèque. Une partie de l’acquisition peut être financée par les aides publiques mais elles ne seront pas suffisantes et les mécènes doivent être sollicités. C’est avec l’aide de la Fondation Lotharingie que la bibliothèque tente d’acquérir les œuvres de Claude Weisbuch. Elle a accepté de soutenir ce projet, de le présenter sur son site, de recueillir les dons et fournir les documents nécessaires pour la déduction fiscale.

La glaneuse, pointe-sèche, 2ème état, 1957

Les particuliers et entreprises peuvent participer à l’enrichissement des collections de la bibliothèque en faisant un don financier pour cette opération. Ce don, déductible des impôts, est récompensé par de nombreuses contreparties. Les artistes lorrains contemporains se sont mobilisés autour de ce projet, ont créé et offert des œuvres pour les contreparties.

Des événements à ne pas manquer

 

Tout au long de l’année, des événements se succèderont pour venir enrichir ce projet. Le 6 avril 2018, un dîner de gala aura lieu à la Bibliothèque Stanislas. Appelé “Dîner des mécènes” il permet à chacun de participer à ce projet tout en se faisant plaisir. Une occasion unique de venir dîner dans la prestigieuse salle de lecture du XVIIIe siècle, classée au patrimoine mondial de l’Unesco. Pour un don de 150 euros minimum, vous pourrez bénéficier d’un repas pour une personne (coût réel du don après déduction fiscale de 66 % : 51 euros). Seulement 160 places seront disponibles pour ce repas.

Une vente aux enchères d’oeuvres d’art aura lieu à la fin du repas. L’intégralité des sommes perçues pour le repas et le vente des oeuvres ira à l’acquisition des 79 estampes de Claude Weisbuch.

Vous êtes gourmands ? Et bien vous pourrez également nous aider dans notre projet d’acquisition en vous faisant plaisir. Les pâtissiers de Moselle et ceux de Meurthe-et-Moselle ont accepté de réaliser et vendre un gâteau individuel nommé “Les Glaneuses”. Sur le prix de vente, 1 euro est reversé au projet Weisbuch. Une pâtisserie qui sera disponible toute l’année dès le mois de mars.

Pour participer à cette acquisition d’estampes de Claudes Weisbuch, faites un don par Internet sur le site de la Fondation du Patrimoine : https://www.fondation-patrimoine.org/52983 ou par courrier en renvoyant le bulletin de souscription à la Fondation Lotharingie.

Marguerite Delorme (1876-1946), l’orientaliste lorraine.

L’Orient a toujours fasciné les artistes. Au 19e et au 20e siècle, les artistes lorrains n’échappent pas à cette envie du voyage qui va leur faire découvrir d’autres paysages et d’autres civilisations. Certains d’entre eux iront même jusqu’à s’installer dans ces pays « exotiques », conquis par la couleur et le charme de l’Orient. L’exposition qui se tient actuellement au Musée des Beaux-Arts de Nancy, “Lorrains sans frontières. Les couleurs de l’Orient”, revient sur ces artistes qui se sont laissés séduire par l’orientalisme. Grâce à une acquisition récente d’œuvres, les Bibliothèques de Nancy peuvent s’associer à cette exposition en revenant sur une artiste orientaliste lorraine encore trop méconnue : Marguerite Delorme.

 

L’oasis, gravure en couleur

 

Formation, prix et voyages.

Marguerite Anna Rose Delorme est née le 10 septembre 1876 à Lunéville. Formée à l’Académie Vitti à Paris vers 1890-1895, Marguerite Delorme suit les cours de dessin et de peinture dispensés dans les ateliers féminins mais aussi ceux des peintres Luc-Olivier Merson (1846-1920), Raphaël Collin (1850-1916) et Paul Leroy (1860-1942)[1].

Elle envoie ses premières œuvres au salon de la Société des Artistes Français dès 1895 et sera régulièrement présente dans les salons officiels jusqu’à la fin de sa carrière. Sa présence en Lorraine, au Salon de la Société Lorraine des amis des arts sera, elle aussi, constante de 1896 jusqu’en 1946.

Aux salons, elle remporte de nombreux prix et distinction dont une bourse de voyage en 1905 qui lui permettra de partir en Italie pendant plusieurs mois.

Dès ses débuts, elle accorde une importance particulière à la gravure et au dessin qu’elle pratique régulièrement. Elle peint et dessine des sujets de genre, des paysages et, à partir de 1902, la thématique bretonne va fortement marquer son œuvre, jusqu’en 1912-1913. A partir de 1912, l’orientalisme entre dans ses compositions avec L’oiseau bleu qu’elle expose à Paris et à Nancy.

Pendant la première guerre mondiale, Marguerite Delorme se trouve dans le sud de la France. Durant cette période elle réalise de nombreux paysages méditerranéens mais aussi des portraits de militaires, de soldats étrangers et des tirailleurs sénégalais qui se trouvaient dans les camps d’hivernage du sud de la France.

En 1921, elle remporte le prix de la Compagnie Générale Transatlantique au salon de la Société Coloniale des Artistes Français, qui va lui permettre de partir au Maroc. Ce voyage va être déterminant dans son parcours.

Fontaine de Fès, gravure en couleur

 

A la découverte du Maroc.

Marguerite embarque le 4 septembre 1921, à Bordeaux, sur le bateau le Volubilis de la Compagnie Générale Transatlantique qui doit l’emmener au Maroc. Elle passe ses premières années à Fès et s’attache à représenter les populations et coutumes marocaines. Dans ses lettres, elle raconte qu’elle fait poser “sa petite fatma” et participe aux fêtes locales comme celle du mouton où elle raconte avoir mangé dans la famille de Si Slaoui, son peintre de cadres : « nous avons selon “la Caïda” dégusté les trois tasses de thé rituelles. Et après attaqué les quatre plats différemment préparés du mouton. Et couscous au poulet. Et café. C’était un parent âgé de Si Slaoui qui faisait les honneurs et me découvrait les bons morceaux de “dsaja”[2] ».

Elle voyage beaucoup, grâce à ses connaissances, et visite les villes de Marrakech, Casablanca, Meknes, Rabat, Serfou, Moulay Idriss ou Saffi. Elle dessine des paysages, des vues de ville, des architectures, mais ce sont surtout les femmes marocaines qui retiennent son attention.

Enfant au bouquet de fleurs, gravure coloriée

 

Elle dessine et semble fascinée par ces femmes qui se montrent très peu. Certaines acceptent toutefois de poser pour elle, mais elle travaille aussi à partir de ses croquis, de cartes postales, de photographies ou de mémoire. Elle dessine et peint leurs tenues, leurs visages, leurs activités quotidiennes, leurs bijoux. Sa touche est libre et colorée. Elle utilise souvent le pastel qui lui permet d’allier dessin et couleur. Sa palette est lumineuse et sa touche picturale vigoureuse.

Elle saisit également les activités artisanales et marchandes de Fès à travers des vues du souk du Talâa.

Les coutumes et les traditions locales n’échappent pas à l’artiste qui tient à saisir tout le « pittoresque » de ce pays. Ainsi, les musiciens, les danseuses, les scènes de fêtes et les fantasias complètent son œuvre peinte.

Vue d’une mosquée, gravure à l’eau-forte et aquatinte tirée en en sépia

 

Marguerite Delorme réalise de nombreux croquis et dessins de ce qu’elle observe. Elle utilise cette « documentation », comme elle la nomme elle-même, pendant son séjour en France. Sa famille possédant un appartement à Paris, elle revient régulièrement chaque été. Elle exécute alors des compositions à partir des dessins et photographies faits au Maroc.

Elle fait réaliser par un artisan de magnifiques cadres ornés de motifs marocains colorés.

Expositions et succès.

En 1922, elle participe à l’Exposition Coloniale de Marseille puis en 1924 à celle de Strasbourg où elle est classée hors concours.

En 1924, elle expose à la galerie Devambez une soixantaine d’œuvres illustrant son voyage au Maroc. Dans le catalogue, le critique d’art Arsène Alexandre (1859-1937)[3] parle du travail de Marguerite avec beaucoup d’éloges : « Déjà très connue et très appréciée pour ses fins portraits parisiens, pour ses dessins pleins de légèreté et d’esprit d’après les ouvrières de nos ateliers, pour la grâce avec laquelle cette élève de Luc-Olivier Merson interprétait la jeune fille moderne, elle a tout d’abord été attirée vers le soleil et la couleur qui pouvaient enrichir sa palette, puis elle s’est laissée heureusement surprendre par une trouvaille à la fois moins préméditée et plus conforme à sa nature. Elle a obtenu, et nous offre, ce à quoi aucun des plus remarquables artistes qui étaient allés au Maroc ne pouvait prétendre, l’étude et la pénétration de la femme, si jalousement et si religieusement cachée là-bas. Elle a pu entrer peu à peu dans ces demeures raffinées, et gagner assez les bonnes grâces de ses charmantes soeurs mahométanes, cette chrétienne. Elle a noté leurs attitudes, où se reflète leur jolie âme nonchalante et grave ; elle s’est rappelée l’accord entre leurs clairs intérieurs, leurs souples mouvements et leurs visages aux si grands yeux veloutés. Je dis : se rappeler. Ne croyez pas en effet qu’elle ait trouvé des modèles si dociles et assez audacieux pour enfreindre la loi et le Prophète. Il lui a fallu de beaux et patients exercices de mémoire, et ainsi a-t-elle donné en même temps qu’une moisson de tout point réussie, un exemple excellent de méthode dont plus d’un artiste du sexe” fort” pourrait faire son profit. Mais ce qui nous occupe aujourd’hui et nous plaît, c’est la moisson elle-même. Il est inutile de vous vanter, puisque dès l’abord vous en serez séduits, l’esprit du dessin, la clarté des harmonies, la vie même, vraie encore plus que réelle, de ces intimités, de ces frais décors, de ces existences actuelles et séculaires, actuelles parce qu’elles respirent, séculaires parce qu’elles sont indemnes de ce qui, parfois, nous rend laids.[4] »

Homme avec un chameau, gravure tirée en sépia

 

C’est également en 1924 qu’elle organise sa première exposition marocaine, « Deux ans au Maroc », à la Mamounia, hôtel prestigieux de Marrakech.

En 1925, elle remporte la médaille d’or à l’exposition de peinture de la Foire de Marrakech.

Vivant la majeure partie de l’année au Maroc, à Fez, Casablanca, Rabat ou Marrakech, elle continue toutefois à exposer en France, notamment aux salons de la Société des Artistes Français, de la Société coloniale des artistes français, de la Société des peintres orientalistes français et de la Société lorraine des amis des arts. Elle prend également part aux expositions coloniales, notamment celle de Paris-Vincennes en 1931.

Gravures orientalistes.

Marguerite Delorme a réalisé de nombreuses gravures durant toute sa carrière. Gravure à l’eau-forte, au verni mou, en noir, en sépia ou en couleurs. Elle a une excellente connaissance des techniques de la gravure. Elle reprend dans ses gravures les vues et scènes qu’elle dessine au quotidien. Ces œuvres sont tirées en général à quelques centaines d’exemplaires et proposées à la vente aux touristes qu’elle rencontre sur le bateau, qui en achètent en guise de souvenir de voyage. Elle les présente également aux expositions qu’elle réalise au Maroc mais aussi en France. Elle arrive à vendre facilement ses œuvres gravées car le prix de vente est peu élevé et l’engouement pour l’orientalisme au début du 20e siècle favorise les ventes.

Une porte à Fès, gravure à l’eau-forte aquarellée

 

Les sujets sont, comme pour ses dessins et œuvres peintes, tirées de photographies ou cartes postales. Ainsi, le marchand de vélos reprend la même composition et le même cadrage qu’une carte postale existante.

Le marchand de vélos, gravure à l’eau-forte tirée en sépia

 

Marguerite a appris l’arabe et signe certaines de ses gravures en arabe dans la matrice même. Pour d’autres, elle se prête au jeu de la calligraphie en réalisant des titres dorés et calligraphiés, sur des gravures en couleurs. Ses gravures étant principalement destinées à des acheteurs français, elle titre, signe et justifie en français dans la marge inférieure, au crayon graphite.

Le bonheur soit avec vous, gravure tirée en doré, faisant office de titre pour une série de quatre vues Fès

Son succès au Maroc.

En 1935 elle participe au premier salon de la France d’Outre-Mer au Grand Palais à Paris,  mais aussi au salon des peintres de l’Afrique du Nord organisé à Casablanca.

Elle expose très souvent dans les grandes villes marocaines, Marrakech, Fez, Rabat et Casablanca, dans les galeries parisiennes et vend régulièrement ses tableaux. Dans une note qu’elle écrit à propos des femmes peintres au Maroc, Marguerite Delorme explique que nombre de ses œuvres sont conservées dans les collections de particuliers du monde entier : « Maints de mes tableaux sont dans les collections particulières à Paris, à New-York (Vanamaker), Rome, Londres. La ville de Paris possède aussi, ainsi que l’Etat, plusieurs de mes œuvres et, ne voulant pas nommer mes amateurs […] je vous dirais seulement que beaucoup de mes tableaux ornent les murs de certains collectionneurs à Casa, Rabat, Marrakech, Settat, Fez et Mogador[5] ».

Marguerite Delorme à son exposition à la Galerie Derche en 1937

Avec le Lorrain Jacques Majorelle, entre autre, elle fait partie de la Société des peintres et sculpteurs français professionnels du Maroc. Cette société organise dans les grandes villes du pays des expositions d’artistes français vivant et travaillant sur place. En 1941, elle compte 22 membres ; Marguerite Delorme est la seule femme, mais elle est rejointe par d’autres, élues la même année.

Marguerite Delorme rentre en France en juillet 1946. Son état de santé est alors inquiétant, d’après les écrits de sa sœur Marcelle qui l’accueille chez elle à Lille[6]. C’est là qu’elle décède quelques jours plus tard le 26 juillet 1946. Son corps sera rapatrié en Lorraine et inhumé dans le caveau familial au cimetière de Lunéville.

[1] Luc Olivier Merson et Louis Joseph Raphaël Collin sont considérés comme des peintres académiques. Paul Leroy est classé aujourd’hui parmi les peintres orientalistes.

[2] Lettre conservée dans le fonds familial.

[3] Arsène Alexandre est un célèbre critique d’art français qui a écrit sur de nombreux peintres contemporains comme Rodin, Daumier, Raffaëlli, Gauguin, mais aussi sur des pièces de théâtre.

[4] Catalogue d’exposition conservé à la bibliothèque centrale du Louvre côte 8P°1924-24.

[5] Note conservée dans le fonds familial.

[6] Lettre conservée en collection particulière.