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Une acquisition exceptionnelle d’œuvres de Claude Weisbuch

Les Bibliothèques de Nancy souhaitent acquérir un ensemble de gravures de l’artiste lorrain Claude Weisbuch. Un lot de 79 estampes très rares, datant de sa période nancéienne, et avant 1961, année de sa consécration critique. Cette opportunité nécessite le montage d’un projet de financement exceptionnel, car le montant de l’acquisition dépasse les possibilités budgétaires de la bibliothèque. Cette acquisition s’inscrit dans un projet global qui concerne les graveurs lorrains contemporains, mené par les Bibliothèques de Nancy sur les années 2017 à 2019.

 

Le projet « Graveurs lorrains contemporains ».

 

La bibliothèque Stanislas conserve une collection remarquable de livres illustrés et d’œuvres gravées permettant de retracer toute l’histoire de la gravure, en particulier l’histoire de la gravure en Lorraine. Terre de graveurs, la Lorraine a vu naître de grands talents tels Jacques de Bellange, Jacques Callot, Sébastien Leclerc, Victor Prouvé ou encore Etienne Cournault. La bibliothèque Stanislas conserve les chefs d’œuvres de ces maîtres et, a à cœur de valoriser cette collection de gravure. Depuis toujours, la bibliothèque entretient des liens privilégiés avec les artistes lorrains contemporains. D’une part en organisant des expositions mettant en valeur leurs travaux, mais aussi en continuant d’acquérir leurs œuvres. Le projet « graveurs lorrains contemporains », qui se déroule sur plusieurs années, a pour objectif de compléter les collections, documenter et valoriser les œuvres de ces artistes. En 2017-2018 trois graveurs sont à l’honneur : Jacques Hallez, Roland Grunberg et Claude Weisbuch.

Les grandes glaneuses de Sion, lithographie

Pour Jacques Hallez et Roland Grunberg une acquisition de plusieurs œuvres, permettant de compléter les collections déjà présentes dans les institutions lorraines, est en cours. Des séances d’interview filmées et enregistrées ont déjà été réalisées et seront disponibles sur le futur site de la bibliothèque numérique du Sillon Lorrain. Les droits d’utilisation, pour la reproduction et la mise en ligne des œuvres, ont été négociés directement auprès des artistes. Ainsi, la création graphique contemporaine lorraine pourra être accessible au plus grand nombre, faisant ainsi connaître le talent de ces artistes. L’artiste Michel Jamar, dont le fonds d’atelier est entré à la bibliothèque en 2012, fait aussi parti de ce programme, mais pour la partie documentaire, mise en ligne des collections et valorisation. Un travail qui se poursuivra pendant plusieurs années pour cet artiste.

 

Claude Weisbuch

 

Né à Thionville en 1927, Claude Weisbuch a passé son enfance à Nancy. Formé à l’Ecole des Beaux-Arts de Nancy par Camille Hilaire et André Vahl, il montre rapidement son intérêt et sa maîtrise des techniques de la gravure. Récompensé en 1956 par le Grand Prix National du Dessin et en 1961 par le Prix de la Critique, il s’inscrit rapidement parmi les grands artistes contemporains, exposant ses œuvres dans le monde entier. Si de son œuvre on retient surtout les musiciens ou les acteurs de Kabuki, ses œuvres de jeunesse offrent une vision totalement différente de son travail. Des œuvres réalisées entre 1948 et 1959 qui témoignent des influences artistiques de son temps, de son attachement à sa Lorraine natale et de ses recherches plastiques et techniques.

Femmes de Nomeny, lithographie, 8/15

L’opportunité d’acquérir ce lot d’œuvres rares nécessite le montage d’un projet de financement exceptionnel, car le montant de l’acquisition dépasse l’ordinaire budgétaire de la bibliothèque. Une partie de l’acquisition peut être financée par les aides publiques mais elles ne seront pas suffisantes et les mécènes doivent être sollicités. C’est avec l’aide de la Fondation Lotharingie que la bibliothèque tente d’acquérir les œuvres de Claude Weisbuch. Elle a accepté de soutenir ce projet, de le présenter sur son site, de recueillir les dons et fournir les documents nécessaires pour la déduction fiscale.

La glaneuse, pointe-sèche, 2ème état, 1957

Les particuliers et entreprises peuvent participer à l’enrichissement des collections de la bibliothèque en faisant un don financier pour cette opération. Ce don, déductible des impôts, est récompensé par de nombreuses contreparties. Les artistes lorrains contemporains se sont mobilisés autour de ce projet, ont créé et offert des œuvres pour les contreparties.

Des événements à ne pas manquer

 

Tout au long de l’année, des événements se succèderont pour venir enrichir ce projet. Le 6 avril 2018, un dîner de gala aura lieu à la Bibliothèque Stanislas. Appelé « Dîner des mécènes » il permet à chacun de participer à ce projet tout en se faisant plaisir. Une occasion unique de venir dîner dans la prestigieuse salle de lecture du XVIIIe siècle, classée au patrimoine mondial de l’Unesco. Pour un don de 150 euros minimum, vous pourrez bénéficier d’un repas pour une personne (coût réel du don après déduction fiscale de 66 % : 51 euros). Seulement 160 places seront disponibles pour ce repas.

Une vente aux enchères d’oeuvres d’art aura lieu à la fin du repas. L’intégralité des sommes perçues pour le repas et le vente des oeuvres ira à l’acquisition des 79 estampes de Claude Weisbuch.

Vous êtes gourmands ? Et bien vous pourrez également nous aider dans notre projet d’acquisition en vous faisant plaisir. Les pâtissiers de Moselle et ceux de Meurthe-et-Moselle ont accepté de réaliser et vendre un gâteau individuel nommé « Les Glaneuses ». Sur le prix de vente, 1 euro est reversé au projet Weisbuch. Une pâtisserie qui sera disponible toute l’année dès le mois de mars.

Pour participer à cette acquisition d’estampes de Claudes Weisbuch, faites un don par Internet sur le site de la Fondation du Patrimoine : https://www.fondation-patrimoine.org/52983 ou par courrier en renvoyant le bulletin de souscription à la Fondation Lotharingie.

Marguerite Delorme (1876-1946), l’orientaliste lorraine.

L’Orient a toujours fasciné les artistes. Au 19e et au 20e siècle, les artistes lorrains n’échappent pas à cette envie du voyage qui va leur faire découvrir d’autres paysages et d’autres civilisations. Certains d’entre eux iront même jusqu’à s’installer dans ces pays « exotiques », conquis par la couleur et le charme de l’Orient. L’exposition qui se tient actuellement au Musée des Beaux-Arts de Nancy, « Lorrains sans frontières. Les couleurs de l’Orient », revient sur ces artistes qui se sont laissés séduire par l’orientalisme. Grâce à une acquisition récente d’œuvres, les Bibliothèques de Nancy peuvent s’associer à cette exposition en revenant sur une artiste orientaliste lorraine encore trop méconnue : Marguerite Delorme.

 

L’oasis, gravure en couleur

 

Formation, prix et voyages.

Marguerite Anna Rose Delorme est née le 10 septembre 1876 à Lunéville. Formée à l’Académie Vitti à Paris vers 1890-1895, Marguerite Delorme suit les cours de dessin et de peinture dispensés dans les ateliers féminins mais aussi ceux des peintres Luc-Olivier Merson (1846-1920), Raphaël Collin (1850-1916) et Paul Leroy (1860-1942)[1].

Elle envoie ses premières œuvres au salon de la Société des Artistes Français dès 1895 et sera régulièrement présente dans les salons officiels jusqu’à la fin de sa carrière. Sa présence en Lorraine, au Salon de la Société Lorraine des amis des arts sera, elle aussi, constante de 1896 jusqu’en 1946.

Aux salons, elle remporte de nombreux prix et distinction dont une bourse de voyage en 1905 qui lui permettra de partir en Italie pendant plusieurs mois.

Dès ses débuts, elle accorde une importance particulière à la gravure et au dessin qu’elle pratique régulièrement. Elle peint et dessine des sujets de genre, des paysages et, à partir de 1902, la thématique bretonne va fortement marquer son œuvre, jusqu’en 1912-1913. A partir de 1912, l’orientalisme entre dans ses compositions avec L’oiseau bleu qu’elle expose à Paris et à Nancy.

Pendant la première guerre mondiale, Marguerite Delorme se trouve dans le sud de la France. Durant cette période elle réalise de nombreux paysages méditerranéens mais aussi des portraits de militaires, de soldats étrangers et des tirailleurs sénégalais qui se trouvaient dans les camps d’hivernage du sud de la France.

En 1921, elle remporte le prix de la Compagnie Générale Transatlantique au salon de la Société Coloniale des Artistes Français, qui va lui permettre de partir au Maroc. Ce voyage va être déterminant dans son parcours.

Fontaine de Fès, gravure en couleur

 

A la découverte du Maroc.

Marguerite embarque le 4 septembre 1921, à Bordeaux, sur le bateau le Volubilis de la Compagnie Générale Transatlantique qui doit l’emmener au Maroc. Elle passe ses premières années à Fès et s’attache à représenter les populations et coutumes marocaines. Dans ses lettres, elle raconte qu’elle fait poser « sa petite fatma » et participe aux fêtes locales comme celle du mouton où elle raconte avoir mangé dans la famille de Si Slaoui, son peintre de cadres : « nous avons selon « la Caïda » dégusté les trois tasses de thé rituelles. Et après attaqué les quatre plats différemment préparés du mouton. Et couscous au poulet. Et café. C’était un parent âgé de Si Slaoui qui faisait les honneurs et me découvrait les bons morceaux de « dsaja »[2] ».

Elle voyage beaucoup, grâce à ses connaissances, et visite les villes de Marrakech, Casablanca, Meknes, Rabat, Serfou, Moulay Idriss ou Saffi. Elle dessine des paysages, des vues de ville, des architectures, mais ce sont surtout les femmes marocaines qui retiennent son attention.

Enfant au bouquet de fleurs, gravure coloriée

 

Elle dessine et semble fascinée par ces femmes qui se montrent très peu. Certaines acceptent toutefois de poser pour elle, mais elle travaille aussi à partir de ses croquis, de cartes postales, de photographies ou de mémoire. Elle dessine et peint leurs tenues, leurs visages, leurs activités quotidiennes, leurs bijoux. Sa touche est libre et colorée. Elle utilise souvent le pastel qui lui permet d’allier dessin et couleur. Sa palette est lumineuse et sa touche picturale vigoureuse.

Elle saisit également les activités artisanales et marchandes de Fès à travers des vues du souk du Talâa.

Les coutumes et les traditions locales n’échappent pas à l’artiste qui tient à saisir tout le « pittoresque » de ce pays. Ainsi, les musiciens, les danseuses, les scènes de fêtes et les fantasias complètent son œuvre peinte.

Vue d’une mosquée, gravure à l’eau-forte et aquatinte tirée en en sépia

 

Marguerite Delorme réalise de nombreux croquis et dessins de ce qu’elle observe. Elle utilise cette « documentation », comme elle la nomme elle-même, pendant son séjour en France. Sa famille possédant un appartement à Paris, elle revient régulièrement chaque été. Elle exécute alors des compositions à partir des dessins et photographies faits au Maroc.

Elle fait réaliser par un artisan de magnifiques cadres ornés de motifs marocains colorés.

Expositions et succès.

En 1922, elle participe à l’Exposition Coloniale de Marseille puis en 1924 à celle de Strasbourg où elle est classée hors concours.

En 1924, elle expose à la galerie Devambez une soixantaine d’œuvres illustrant son voyage au Maroc. Dans le catalogue, le critique d’art Arsène Alexandre (1859-1937)[3] parle du travail de Marguerite avec beaucoup d’éloges : « Déjà très connue et très appréciée pour ses fins portraits parisiens, pour ses dessins pleins de légèreté et d’esprit d’après les ouvrières de nos ateliers, pour la grâce avec laquelle cette élève de Luc-Olivier Merson interprétait la jeune fille moderne, elle a tout d’abord été attirée vers le soleil et la couleur qui pouvaient enrichir sa palette, puis elle s’est laissée heureusement surprendre par une trouvaille à la fois moins préméditée et plus conforme à sa nature. Elle a obtenu, et nous offre, ce à quoi aucun des plus remarquables artistes qui étaient allés au Maroc ne pouvait prétendre, l’étude et la pénétration de la femme, si jalousement et si religieusement cachée là-bas. Elle a pu entrer peu à peu dans ces demeures raffinées, et gagner assez les bonnes grâces de ses charmantes soeurs mahométanes, cette chrétienne. Elle a noté leurs attitudes, où se reflète leur jolie âme nonchalante et grave ; elle s’est rappelée l’accord entre leurs clairs intérieurs, leurs souples mouvements et leurs visages aux si grands yeux veloutés. Je dis : se rappeler. Ne croyez pas en effet qu’elle ait trouvé des modèles si dociles et assez audacieux pour enfreindre la loi et le Prophète. Il lui a fallu de beaux et patients exercices de mémoire, et ainsi a-t-elle donné en même temps qu’une moisson de tout point réussie, un exemple excellent de méthode dont plus d’un artiste du sexe” fort” pourrait faire son profit. Mais ce qui nous occupe aujourd’hui et nous plaît, c’est la moisson elle-même. Il est inutile de vous vanter, puisque dès l’abord vous en serez séduits, l’esprit du dessin, la clarté des harmonies, la vie même, vraie encore plus que réelle, de ces intimités, de ces frais décors, de ces existences actuelles et séculaires, actuelles parce qu’elles respirent, séculaires parce qu’elles sont indemnes de ce qui, parfois, nous rend laids.[4] »

Homme avec un chameau, gravure tirée en sépia

 

C’est également en 1924 qu’elle organise sa première exposition marocaine, « Deux ans au Maroc », à la Mamounia, hôtel prestigieux de Marrakech.

En 1925, elle remporte la médaille d’or à l’exposition de peinture de la Foire de Marrakech.

Vivant la majeure partie de l’année au Maroc, à Fez, Casablanca, Rabat ou Marrakech, elle continue toutefois à exposer en France, notamment aux salons de la Société des Artistes Français, de la Société coloniale des artistes français, de la Société des peintres orientalistes français et de la Société lorraine des amis des arts. Elle prend également part aux expositions coloniales, notamment celle de Paris-Vincennes en 1931.

Gravures orientalistes.

Marguerite Delorme a réalisé de nombreuses gravures durant toute sa carrière. Gravure à l’eau-forte, au verni mou, en noir, en sépia ou en couleurs. Elle a une excellente connaissance des techniques de la gravure. Elle reprend dans ses gravures les vues et scènes qu’elle dessine au quotidien. Ces œuvres sont tirées en général à quelques centaines d’exemplaires et proposées à la vente aux touristes qu’elle rencontre sur le bateau, qui en achètent en guise de souvenir de voyage. Elle les présente également aux expositions qu’elle réalise au Maroc mais aussi en France. Elle arrive à vendre facilement ses œuvres gravées car le prix de vente est peu élevé et l’engouement pour l’orientalisme au début du 20e siècle favorise les ventes.

Une porte à Fès, gravure à l’eau-forte aquarellée

 

Les sujets sont, comme pour ses dessins et œuvres peintes, tirées de photographies ou cartes postales. Ainsi, le marchand de vélos reprend la même composition et le même cadrage qu’une carte postale existante.

Le marchand de vélos, gravure à l’eau-forte tirée en sépia

 

Marguerite a appris l’arabe et signe certaines de ses gravures en arabe dans la matrice même. Pour d’autres, elle se prête au jeu de la calligraphie en réalisant des titres dorés et calligraphiés, sur des gravures en couleurs. Ses gravures étant principalement destinées à des acheteurs français, elle titre, signe et justifie en français dans la marge inférieure, au crayon graphite.

Le bonheur soit avec vous, gravure tirée en doré, faisant office de titre pour une série de quatre vues Fès

Son succès au Maroc.

En 1935 elle participe au premier salon de la France d’Outre-Mer au Grand Palais à Paris,  mais aussi au salon des peintres de l’Afrique du Nord organisé à Casablanca.

Elle expose très souvent dans les grandes villes marocaines, Marrakech, Fez, Rabat et Casablanca, dans les galeries parisiennes et vend régulièrement ses tableaux. Dans une note qu’elle écrit à propos des femmes peintres au Maroc, Marguerite Delorme explique que nombre de ses œuvres sont conservées dans les collections de particuliers du monde entier : « Maints de mes tableaux sont dans les collections particulières à Paris, à New-York (Vanamaker), Rome, Londres. La ville de Paris possède aussi, ainsi que l’Etat, plusieurs de mes œuvres et, ne voulant pas nommer mes amateurs […] je vous dirais seulement que beaucoup de mes tableaux ornent les murs de certains collectionneurs à Casa, Rabat, Marrakech, Settat, Fez et Mogador[5] ».

Marguerite Delorme à son exposition à la Galerie Derche en 1937

Avec le Lorrain Jacques Majorelle, entre autre, elle fait partie de la Société des peintres et sculpteurs français professionnels du Maroc. Cette société organise dans les grandes villes du pays des expositions d’artistes français vivant et travaillant sur place. En 1941, elle compte 22 membres ; Marguerite Delorme est la seule femme, mais elle est rejointe par d’autres, élues la même année.

Marguerite Delorme rentre en France en juillet 1946. Son état de santé est alors inquiétant, d’après les écrits de sa sœur Marcelle qui l’accueille chez elle à Lille[6]. C’est là qu’elle décède quelques jours plus tard le 26 juillet 1946. Son corps sera rapatrié en Lorraine et inhumé dans le caveau familial au cimetière de Lunéville.

[1] Luc Olivier Merson et Louis Joseph Raphaël Collin sont considérés comme des peintres académiques. Paul Leroy est classé aujourd’hui parmi les peintres orientalistes.

[2] Lettre conservée dans le fonds familial.

[3] Arsène Alexandre est un célèbre critique d’art français qui a écrit sur de nombreux peintres contemporains comme Rodin, Daumier, Raffaëlli, Gauguin, mais aussi sur des pièces de théâtre.

[4] Catalogue d’exposition conservé à la bibliothèque centrale du Louvre côte 8P°1924-24.

[5] Note conservée dans le fonds familial.

[6] Lettre conservée en collection particulière.

Rencontre avec l’artiste Jacques Hallez

Dans le cadre du projet « Graveurs Lorrains contemporains » nous avons rencontré l’artiste Jacques Hallez dans son atelier de Deneuvre près de Baccarat. Figure incontournable parmi les artistes lorrains contemporains, il nous a accueilli afin d’évoquer ensemble sa riche carrière de peintre, dessinateur et graveur.

 

Le projet « Graveurs lorrains contemporains »

Les bibliothèques de Nancy ont toujours eu des liens très proches avec les artistes lorrains contemporains. Encourageant la création par des acquisitions régulières mais aussi en organisant des expositions dans le hall de la Médiathèque Manufacture, la bibliothèque a toujours soutenu la création lorraine contemporaine. En 2017, l’institution va plus loin avec un projet intitulé « Graveurs lorrains contemporains ». L’objectif de ce projet est d’assurer la conservation, la documentation et la valorisation des œuvres de nos artistes. Un travail de longue haleine qui demande en amont des recherches et un travail collaboratif avec les autres institutions culturelles de Lorraine. Recenser les œuvres conservées en collection publique et compléter les collections par des acquisitions ciblées, documenter la vie et l’œuvre de l’artiste, réaliser des entretiens avec lui, afin qu’il témoigne lui-même de sa carrière ou de certaines de ses œuvres. Enfin, obtenir de l’artiste l’autorisation de valoriser son travail à travers la bibliothèque numérique ou nos produits éditoriaux.

En toute intimité

 

Dans son atelier de Deneuvre près de Baccarat, Jacques Hallez continue de dessiner et de peindre. Du haut de ses 94 ans, l’artiste nous reçoit chaleureusement, autour d’une délicieuse tarte dont lui seul a le secret. Fin pâtissier mais surtout artiste de talent, il nous fait remonter le temps pour revenir sur l’ensemble de sa carrière et de son œuvre. De Baccarat à Nancy, puis de Nancy à Marseille et enfin de Marseille à Baccarat, retour sur un parcours riche de rencontres et de voyages.

Bonjour M. Hallez, dans le cadre du projet des graveurs lorrains, la bibliothèque a souhaité avoir un entretien avec vous pour évoquer votre carrière et vos œuvres.

Volontiers.

Vous êtes né à Baccarat le 2 avril 1923, vous avez fait vos études primaires à Baccarat puis secondaires au collège de Saint-Dié. Comment avez-vous découvert la gravure quand vous étiez jeune ?

Oh, ça remonte très loin, quand j’avais 9 ans. L’hiver 1932, j’étais assez souffrant, une crise de rhumatisme articulaire et j’étais alité pendant près d’un mois. Donc j’ai lu, il y avait des tas de documents dans l’atelier de mon grand père, dont une vie de Jacques Callot, qui m’a subjuguée, et ça m’a donné envie de faire de la gravure, sans savoir vraiment ce que c’était.

Vous en avez vu par la suite, quand vous étiez jeune, des gravures de Jacques Callot ?

Oui oui, ça m’a intéressé tout de suite et je me suis cultivé avec une certaine curiosité pour la gravure.

Jacques Hallez venant de faire un tirage d’une de ses gravures : Les Vigilantes

Vous avez vu les œuvres de quels artistes ?

Dürer, Rembrandt, Goya, etc.

Vous pouviez les voir où ces œuvres ?

C’est surtout dans les livres, mais à l’époque il n’y avait pas d’aussi bonnes reproductions que maintenant.

Et vous avez pu voir des épreuves originales quand vous étiez jeune ?

Assez peu, c’était rare. Je restais beaucoup dans le coin et il y avait assez peu d’occasion de fréquenter des gravures.

A quel moment avez vous choisi de devenir artiste ?

J’avais 14 ans, c’était après un séjour en Bretagne. C’est là que j’ai décidé d’être peintre. Mais peintre et graveur car pour moi c’était la même chose.

Et du coup vous êtes entré à l’École des Beaux-arts de Nancy ?

Oui en 1939, au moment de la guerre. Ça vivotait à ce moment-là, parce que tout était perturbé.

Vous avez travaillé sous la direction d’André Vahl ?

Pas tout de suite, car il était mobilisé. Il n’a repris les cours qu’en 1942. Mais j’ai été tout de suite lié à René-Antoine Giguet, que vous connaissez certainement, et qui a été vraiment mon très grand camarade à l’Ecole des Beaux-arts de Nancy.

Vous avez gardé des liens longtemps avec lui ?

Jusqu’à sa mort. La dernière fois que je suis allé à Paris, je suis allé le voir. Nous avons été amis jusqu’à son décès.

En 1942, vous avez commencé à travailler avec André Vahl aux Beaux-Arts ?

Oui mais j’avais commencé la peinture avant,  avec Henri Marchal, qui était le directeur des Beaux-Arts de l’époque, il avait succédé à Victor Prouvé, et il s’occupait de la peinture. J’ai commencé par la peinture.

La peinture c’est un médium qui vous plaisait ?

Oh oui. Il se trouve que mon grand-père maternel était peintre, Emile Gridel, et il avait une certaine notoriété, au moins dans la région. Je vivais dans la maison qui avait été construite pour lui, il y avait son atelier dans la maison et évidemment ça m’a façonné si vous voulez.

Vous avez rêvé devant les œuvres de votre grand-père ?

Oui ! La maison était remplie de tableaux et de ses trophées de chasse, puisqu’il était grand chasseur.

A l’Ecole des Beaux-arts, qu’avez vous appris avec André Vahl ?

Toutes les techniques de la gravure. On a commencé par la lithographie parce que pendant la guerre c’était ce qu’il y avait de plus simple à faire, ça n’usait pas beaucoup de matériaux rares. Le métal était devenu très rare, le bois était encore facile à trouver mais le zinc ou le cuivre c’était assez difficile. J’avais facilement des chutes de cuivres parce que mon père s’occupait d’une usine d’appareils de chauffage. Il y avait souvent des chutes de cuivre que je pouvais utiliser. Mes premières eaux-fortes datent donc de 1942, sur cuivre.

Vous avez aimé cette période à l’École des Beaux-arts ?

Oui beaucoup. Mais les élèves de la première génération je les ai un peu perdus de vue sauf Giguet. On est resté ensemble très longtemps. Le jour où je suis entré à l’École était entrée en même temps que moi Simone Guillaume, qui est devenue par la suite conservateur du Musée des Beaux-arts. Elle faisait de la peinture à l’époque. J’ai rencontré Étienne Cournault, par l’intermédiaire de Giguet. Étienne Cournault faisait beaucoup de gravures mais il n’imprimait pas. Il venait de temps en temps à l’École des Beaux-arts à l’atelier de gravure pour imprimer. C’était Giguet à l’époque qui lui imprimait ses gravures. Quand André Vahl est revenu de la zone libre, il venait à peu près tous les samedis, avec les planches en cours et il tirait des tirages d’état et des épreuves d’essai.

Et du coup vous alliez le voir travailler ?

Oui, comme j’étais « bien vu », j’avais la chance de pouvoir voir Cournault travailler et ça m’a appris beaucoup de choses, en plus de l’enseignement de Vahl qui était déjà très bon.

Ce sont des personnalités qui vous ont marqué Vahl, Cournault ?

Oui beaucoup et je côtoyais Jean Prouvé et Ventrillon aussi. Toutes les semaines il y avait une réunion chez Jean Prouvé avec des soirées tout à fait intéressantes sur le plan culturel. Il y avait Robert Parisot, l’architecte des monuments historiques qui est devenu préfet des Vosges à la Libération, alors que Jean Prouvé est devenu maire de Nancy. Entre autres, il y avait beaucoup de personnalités intéressantes. J’y étais convié de temps en temps mais comme il y avait le couvre feu, j’allais dormir chez Cournault. On rentrait ensemble avant la fin du couvre feu à la Douera.

Il y aussi un artiste que je n’ai pas connu mais qui a eu une influence énorme sur moi c’est Victor Guillaume. Je ne l’ai vu qu’une fois vivant, c’était à l’automne 1941, au vernissage d’un salon des amis des arts ou des artistes lorrains, je ne sais plus. Et il est mort quelques mois après. Mais avec Giguet on fréquentait beaucoup Vaudémont et on s’occupait de madame Guillaume. Donc j’étais assez proche et je connais bien la maison de Victor Guillaume, en tout cas ce qu’elle était à l’époque. Il y avait encore l’atelier. J’ai beaucoup admiré son travail. C’est certainement lui qui m’a le plus influencé du point de vue peinture. Sa manière de construire, de composer. Sa modernité. Malheureusement on n’en voit pas beaucoup de ses œuvres. Il a fait de très belles gravures aussi.

Vous avez récupéré sa presse de gravure je crois ?

Oui, à sa mort l’atelier a été dispersé et c’est un marchand de meuble de Vézelise qui avait récupéré sa presse en taille douce. Il ne savait pas quoi en faire et il me l’a revendue. C’est comme ça que je suis devenu propriétaire de la presse de Guillaume, qui m’a servi pendant des années, jusqu’en 1948-49. Et je l’ai eu jusque dans les années 1960. J’ai fait beaucoup de tirages sur cette presse.

Vous m’aviez également raconté une anecdote avec l’artiste Claude Weisbuch, pouvez-vous la partager ?

Il était en zone libre pendant la guerre, il a eu beaucoup d’aventures de résistance et il n’est entré à l’École des Beaux-arts qu’après la guerre. Et quand M. Mattona est devenu directeur, il était un des meilleurs élèves à l’École à l’époque. Comme je n’avais pas de presse à ce moment-là et que j’étais en bon terme avec André Vahl, je pouvais aller imprimer mes gravures à l’École, c’est comme ça que j’ai bien connu Weisbuch. Sa famille vendait des produits pour les horlogers, et il utilisait comme pointe sèche des axes de réveil qui sont en acier très dur. Il m’en a procuré pas mal, je dois en avoir encore dans mes tiroirs. C’est un acier tellement dur, on peut à peine l’affuter.

Mésange et tournesol, eau-forte et aquatinte, 9/30

Parlons un peu de vos expositions. Quelle était votre première exposition ?

C’était une peinture au salon des artistes lorrains de 1941. C’était un paysage. Une vue de Gélacourt, un village près de Baccarat.

Et votre première exposition personnelle ?

C’était une exposition de graveurs, il y avait le couple Vahl, avec Suzanne Hottier-Vahl qui était une excellente buriniste, Cournault et d’autres encore. On était un petit groupe et on a fait des petites expositions dans Nancy. C’était une exposition que de gravures. A cette époque on exposait surtout aux différents salons de la Société Lorraine des Amis des Arts et des Artistes Lorrains, ainsi que dans les petites galeries de Nancy.

Vous vendiez déjà des œuvres à cette époque là ?

Oui je vendais déjà un peu à ce moment là, je commençais à en vendre. J’ai commencé à avoir des acheteurs réguliers.

Parlons un peu de technique de gravure. Vous avez travaillé le métal mais aussi le bois, qu’est-ce qui vous plaît dans la gravure ?

C’est d’attaquer un matériau. Il y a un côté plus physique, je dirais presque athlétique, par rapport au fait de peindre ou dessiner. Il y a le plaisir de se confronter au matériau, c’est pour ça que je n’aime pas beaucoup la lithographie. Pour la lithographie on ne fait que dessiner à l’encre grasse ou au crayon lithographique, et la seule préparation est celle de la pierre que l’on doit grainer. C’est plus du dessin que de la gravure.

Il y a des techniques en gravure que vous préférez ?

Oui l’eau-forte et l’aquatinte. Il y a la gravure de graveur qui est purement graphique et linéaire, mais moi comme je suis aussi peintre, j’aime bien travailler par taches. Donc l’aquatinte me convient bien. Et ça permet de mélanger les techniques, eau-forte, aquatinte et pointe sèche, plus des grattages, des ponçages, toutes les approches possibles.

Les outils et produits que vous utilisez, vous les avez achetés ? Vous les fabriquez ?

Il y en a que j’achète et puis il y en a certains qu’on m’a donnés. Pour l’encre, c’est la maison Charbonnel qui me fournit et qui fournit d’ailleurs quasiment tous les graveurs de France et de Navarre. Pour le mordant en revanche, c’est à partir de l’acide nitrique, qu’on dose et qu’on dilue en fonction du métal. Pour le zinc par exemple c’est un acide très dilué, pour le cuivre on le gradue suivant ce qu’on veut faire. Moi j’aime beaucoup utiliser l’acide pur. Ça permet de faire des touches de lavis ou de l’utiliser en projection. C’est facile de le voir sur les épreuves. Je travaille le mordant comme je travaillerais un lavis.

Vol de courlis, eau-forte et aquatinte, 16/30

Et les papiers sur lesquels vous imprimez, vous avez des exigences ?

J’utilise surtout l’Arches, le vélin d’Arches. Au village de Fontenoy, village du livre, il y avait un papetier qui faisait de merveilleux papiers à la main. J’ai utilisé depuis ces papiers qui me donnent des résultats extraordinaires. Malheureusement il est parti. Il avait appris le métier dans une papeterie artisanale de Corrèze et il est reparti à côté de Brive-la-Gaillarde. Heureusement j’ai ma petite fille qui n’habite pas très loin en Corrèze et qui m’a rapporté des papiers de là-bas. J’ai fait quelques tirages sur du Japon mais c’est difficile à travailler.

Au niveau des tirages, vous faites souvent des petits tirages je crois ?

Oui, et encore ! Ceux annoncés ne sont pas complets. La plupart ne sont pas tirés complètement.

Vous avez fait de la gravure en couleur ?

J’ai surtout gravé en noir et blanc. J’ai fait quelques gravures en couleur mais comme je peins, ça ne me plait pas plus que ça. Ça m’intéresse techniquement, je peux l’enseigner, mais j’aime surtout la gravure en noir.

Vous savez combien d’œuvres vous avez gravées durant toute votre carrière ?

Je pense aux environs de 800, tout compris. Les bois, les cuivres, les lithographies mais les lithographies c’est assez insignifiant comme nombre.

Jacques Hallez, avec la paume de sa main, caresse la plaque pour retirer l’encre sur la plaque, sans retirer l’encre dans les tailles

Vous avez été professeur à l’École des Beaux-arts de Marseille. Vous êtes resté combien de temps ?

De décembre 1951 à mai 1973. C’est André Vahl qui m’avait informé de l’ouverture d’un concours pour un poste de gravure à l’École des Beaux-Arts de Marseille et j’ai pu l’obtenir. J’ai amélioré l’atelier qui existait déjà en permettant aux élèves de pouvoir imprimer sur place. Le professeur d’avant prenait les plaques des élèves et les tirait chez lui. Je préférais que les élèves tirent les plaques devant moi et leur montrer comment on faisait.

Durant votre carrière vous avez également beaucoup peint et dessiné, comment travaillez-vous vos compositions ?

Pour la peinture comme pour la gravure, je réalise beaucoup de dessins préparatoires avant. Des quantités. Je n’attaque que quand je suis à peu près sûr de ce que je veux faire. Je conserve certains dessins préparatoires. Je travaille uniquement à l’huile et à l’aquarelle. Pour l’huile je travaille au couteau et au pinceau.

En 1962, Denis Rouart avait parlé de votre travail de graveur à propos du livre que vous avez illustré l’âme et la danse de Paul Valéry. Il avait dit que vous étiez plus imaginatif et poétique en gravure plutôt qu’en peinture. C’est juste ?

Oui je suis assez d’accord avec ce qu’il dit. Je me laisse plus aller dans ce domaine qui m’est plus secret. La gravure c’est mon intimité. Je suis beaucoup plus libre et plus secret. Vous savez la gravure c’est très proche de l’écriture. C’est comme un carnet où j’écris des choses.

La forêt glacée, aquatinte, épreuve d’artiste

Vos carnets à dessins vous y revenez souvent ?

Oui tout le temps. Surtout que maintenant je ne peux plus sortir vraiment. C’est ma source d’inspiration. Ils contiennent tous mes motifs tous mes voyages. Je continue aujourd’hui encore à dessiner. Mais ma réserve d’images, elle est dans ces carnets.

Vous savez combien de toiles vous avez peintes ?

Je crois aux environs de 600. Il y en a environ 200 qui ont été vendues. A des particuliers mais aussi des institutions, dans la région mais pas que. La ville de Paris m’en a acheté par exemple, mais aussi le Victoria and Albert Museum de Londres ou à Los Angeles aussi. J’en ai un peu en Amérique. Des institutions ou des universités. J’ai exposé à l’étranger et aux États-Unis. J’ai aussi vendu pas mal de gravures en Amérique, notamment dans la région de Boston puis en Californie. J’ai fait deux séjours assez longs en Amérique.

Vous avez également réalisé des mosaïques, des vitraux et des tapisseries ?

Oui. Ça a commencé en 1950-1951 lorsque Robert Parisot m’a commandé des vitraux pour la basilique de Saint-Nicolas-de-Port. Ils ont été réalisés au printemps 1951. A l’exception de la découpe, du montage et de la pose j’ai fait tout le reste : les cartons, la coloration, la pose de la grisaille. J’ai également fait les vitraux pour le chœur de l’église de Charmes, trois grandes verrières de 11 mètres de haut. Le plus grand vitrail je l’ai fait à Marseille, il fait 56 m². Mais il a été fait avec des dalles de verre et du ciment.

C’est un médium que vous aimez le vitrail ?

Oui et la mosaïque aussi. J’en ai d’ailleurs réalisé plusieurs en Lorraine dont trois à Baccarat. Il y en a une à la caserne des gardes mobiles à Baccarat, elle fait 15 m² et représente toutes les représentations possibles du soleil dans toutes les civilisations. C’était une commande qui m’a été faite lors de la reconstruction de la caserne, ça fait partie du 1 %, mais le sujet m’est propre, il n’y avait pas de thématique imposée. J’avais également eu une commande de mosaïque pour le collège de Baccarat qui doit faire 30 m² et pour une petite école mais comme il n’y avait pas beaucoup d’argent j’ai fait ça avec les pierres de la région.

Et la tapisserie, je crois que vous avez eu un prix pour une tapisserie ?

Oui j’ai pu avoir une commande de tapisserie. Elle a été réalisée, tissée à Aubusson en 1952. J’ai eu la chance de l’entrevoir mais je ne l’ai plus revue depuis, je ne sais même pas où elle est.

M. Hallez, parlons un peu de peinture et de vos inspirations en peinture. Vous aimez quel type de peinture ?

Je suis fidèlement resté figuratif. J’aime tellement les choses que je ne vois pas la nécessité de les transformer.

Il y a des peintres que vous appréciez plus que d’autres ?

Oui les nabis, Bonnard, Gauguin, Cézanne, et beaucoup d’autres. Des plus contemporains aussi, Braque, mais surtout les œuvres de la fin de sa vie. J’ai suivi beaucoup ses expositions à Paris.

Vous avez été voir beaucoup d’expositions à Paris ?

Oui j’ai travaillé un moment dans l’atelier d’André Lhote, entre 1948 et 1951. Avec ma femme on faisait un séjour d’au moins un mois à Paris, c’était l’occasion d’apprendre et de se ressourcer.

Et André Lhote, c’est un artiste que vous admiriez ?

Oui il enseignait avec une grande intelligence. Il m’a appris beaucoup de choses.

Et dans la peinture plus ancienne, il y a des choses que vous aimez ?

Oui, Delacroix j’aime beaucoup. Il y en a beaucoup que j’aime. Je n’aime pas trop les peintres académiques. J’aime les artistes qui mettent de la vie dans leur peinture, mais de la vie poétique. C’est ce que j’ai essayé de trouver et de faire dans ma peinture. Transposer les objets et choses quotidiennes et leur donner un sens poétique. Tous les sujets sont bons et deviennent un prétexte à une œuvre poétique.

Mère et enfant, eau-forte et aquatinte, 15/20

Vous avez fait plutôt des scènes de genre, des portraits, des paysages ?

J’ai fait autant de scènes de genres que de paysages. En revanche, je n’ai pas fait beaucoup de portraits. J’aime bien les portraits mais je ne sais pas trop bien les faire. Je ne suis pas très doué pour ça. J’ai fait un autoportrait gravé il y a quelques années, j’ai quelques portraits de ma femme, de mon fils et de mes petits-enfants. Dans les maternités par exemple, il y a ma belle-fille avec mon petit-fils c’est le même sujet que lorsque j’avais fait ma femme et mon fils.

Merci M. Hallez pour cet entretien.

 

 

Michel Jamar ….. 20 ans déjà !

Il y a tout juste 20 ans, Michel Jamar (1911-1997) nous quittait. Artiste lorrain de talent, il n’a cessé tout au long de sa vie de dessiner, graver et peindre. Grâce aux dons généreux et successifs de Michel Jamar en 1995, et de son fils Xavier en 2012, la bibliothèque Stanislas conserve aujourd’hui la mémoire de son œuvre.  Une collection d’œuvres qu’il faut faire vivre et mettre à disposition du public progressivement. C’est ce qui sera fait durant les prochaines années grâce à la Bibliothèque Numérique du Sillon Lorrain et du projet « Graveurs lorrains contemporains ».

En attendant, cet anniversaire est aussi l’occasion de dévoiler une des nombreuses œuvres de Michel Jamar conservées à la bibliothèque Stanislas.

 

Le Diable amoureux de Jacques Cazotte

 

 

Page de titre « Le diable amoureux », Fonds Jamar

Le Diable Amoureux est un roman de Jacques Cazotte publié en 1772. Le texte est considéré comme précurseur du récit fantastique. Un jeune homme, Alvare, décide de convoquer le diable en compagnie de deux amis. Le diable lui apparaît d’abord sous les traits d’un chameau, puis d’un épagneul et enfin sous les traits gracieux de Biondetta, dont il accepte les services. Alvare s’efforce de résister aux séductions et aux agaceries de Biondetta. Il décide enfin de présenter Biondetta à sa mère pour pouvoir l’épouser. En chemin, ils s’arrêtent pour participer à une noce et comme on les prend pour mari et femme, ils se retrouvent dans la même chambre. Au moment ultime, Biondetta jette le masque pour rappeler qu’elle est Belzébuth.

Cette œuvre littéraire a inspiré de très nombreux artistes au xixe et xxe siècle, que ce soit pour l’illustration des textes mais aussi dans son adaptation en pièce de théâtre, ballet ou opéra.

 

La version illustrée de Michel Jamar

 

Frontispice – Fonds Jamar

 

Michel Jamar se confronte ici à ce grand texte littéraire et propose une version illustrée éditée par  Le Cercle Grolier en 1968. Il réalise pour cette œuvre 16 burins originaux, dont un en frontispice, un dans le texte, 13 en pleine page hors-texte et un sur double page hors-texte. Dans le texte, 17 bois gravés par Gilbert Poilliot d’après des dessins de Michel Jamar viennent marquer les bandeaux et culs-de-lampe. Une suite de 32 dessins préparatoires reproduits selon des procédés photomécaniques vient compléter cette édition de bibliophilie.

L’ensemble est complété par une reliure exécutée par Engel à Malakoff et décorée d’un bronze de Michel Jamar, frappé par la Monnaie.

 

Une science qui enseigne à transformer les métaux et à réduire les esprits sous notre obéissance, gravure au burin – Fonds Jamar

 

La bibliothèque Stanislas conserve les dessins préparatoires pour l’ensemble des illustrations mais aussi des épreuves d’état et des épreuves non retenues pour ce projet. Des épreuves intéressantes qui permettent de comparer les différentes propositions et voir l’évolution du travail de l’artiste dans ce projet.

Les ruines de Portici, gravure au burin – Fonds Jamar

 

Les compositions de Michel Jamar peuvent également être comparées à celles de la première édition de cet ouvrage, conservée à la bibliothèque Stanislas (Rés. 10 412).

 

Alvare je suis le Diable… Gravure au burin, épreuve d’état complétée au crayon graphite sur le tirage et complétée de notes de Michel Jamar – Fonds Jamar

 

 

Alvare je suis le Diable… Gravure au burin, épreuve définitive qui se trouve dans l’édition illustrée – Fonds Jamar

Les dessins et gravures qu’il réalise sont fidèles à son univers où se mêlent sensualité, ésotérisme, symbolique et on y retrouve aussi son goût pour la construction architecturée et le paysage.

Michel Jamar offre ici une interprétation puissante de cette oeuvre « diabolique »…

Des Andes au jardin potager : petite histoire de la pomme de terre

Le Musée de l’Image à Epinal a ouvert le 19 mai dernier une exposition consacrée à l’histoire du jardin potager. Pour cette occasion, la Bibliothèque Stanislas a prêté le célèbre ouvrage de Jean-Baptiste de la Quintinie, Instructions sur les jardins fruitiers publié en 1697.

 

Le Solanum tuberosum dans l'ouvrage de Bauhini, 1671 (154 755)
Le Solanum tuberosum dans l’ouvrage de Bauhini, 1671 (154 755)

De très nombreux autres ouvrages conservés à la bibliothèque permettent de retracer l’histoire de notre pratique potagère et fruitière. L’occasion de revenir sur l’histoire de ces légumes incontournables au jardin potager, à commencer par la pomme de terre.

Pomme de terre, qui es tu ?

Premier légume consommé en France et en Europe, la pomme de terre est une des bases de l’alimentation des habitants d’un grand nombre de pays tempérés. Pourtant, il y a 400 ans, elle était inconnue en Europe et en Asie.

Elle a été définitivement nommée par Linné en 1753 comme Solanum tuberosum. Elle appartient à la grande famille botanique des solanacées, qui comprend des espèces aussi variées que le tabac, le piment, la tomate, l’aubergine, le poivron, le pétunia, la mandragore, la morelle ou le physalis.

On connaît environ 200 espèces de solanacées tubéreuses. Toutes originaires d’Amérique du Sud, on trouve les variétés originelles dans les Andes (Pérou, Bolivie) où plus de 100 espèces sauvages on été recensées et où l’on connaît plus de 400 cultivars de pommes de terre indigènes.

C’est une plante vivace par ses tubercules, mais nous la cultivons surtout comme annuelle.

Histoire de la domestication de la pomme de terre.

On pense que la pomme de terre, comme d’autres plantes à tubercules, a été domestiquée au cours d’une période avoisinant 8 000 ans av. J-C. Il s’agissait d’abord d’espèces sauvages. Ces espèces sauvages ont souvent un goût amer et contiennent plus où moins de substance toxiques. Les amérindiens, par la cueillette, la sélection de tubercules moins amers, moins toxiques, ont commencé la domestication. Ce sont ces tubercules là que les Européens découvrent lors de la conquête de l’Amérique du Sud.

On retrouve les traces de la consommation de la pomme de terre en Amérique du Sud dans les fouilles archéologiques précolombiennes : des vases représentant la pomme de terre dans des tombes par exemple. Il y a aussi, dans le culte des civilisations précolombiennes, la déesse Axomama, mère de la pomme de terre (comme il y avait la mère du maïs ou du quinoa).

La découverte par les espagnols.

Les Espagnols après la découverte du nouveau monde, s’établirent dans les Caraïbes et en Amérique Centrale. Les premières pommes de terre ont probablement été découvertes autour de 1530-1540, mais c’est en 1553 qu’un conquistador va en faire pour la première fois la description. C’est Pèdro Cieza de Leon, qui, dans sa longue marche à travers les Andes, écrira dans sa Cronica del Peru publiée en 1553 : « Dans les lieux voisins de Quito les habitants ont, avec le maïs, deux autres plantes qui leur servent en grande partie à soutenir leur existence, savoir : les papas, à racines presque semblables à des truffes, dépourvues de toute enveloppe plus ou moins dure ; lorsqu’elles sont cuites, elles ont la pulpe presque aussi tendre que la purée de châtaignes ; séchées au soleil on les appelle Chuno et on les conserve pour l’usage… ».

Son introduction en Europe.

Il n’y a pas de date précise concernant l’arrivée de la pomme de terre en Europe. Par contre on pense que les tubercules sont arrivés par deux portes d’entrée : l’Espagne (à partir des îles Canaries, première mention de transport de pomme de terre vers Anvers en 1567) et les îles britanniques, car les britanniques avaient fondé à la fin du 16e une colonie en Virginie (introduction en Angleterre vers 1590).

La pomme de terre, dans l'ouvrage de Matthioli, 1598 (100 682)
La pomme de terre, dans l’ouvrage de Matthioli, 1598 (100 682)

Le personnage clé dans la diffusion de cette plante à travers les jardins européens fut incontestablement le botaniste français Charles de l’Ecluse. En 1588, il reçoit deux tubercules et un fruit de pomme de terre. Puis l’année suivante il reçoit une aquarelle représentant un pied de pomme de terre. Il correspondait avec de nombreux autres botanistes dont le suisse Caspar Bauhin qui en fit la première description en 1598 et John Gerarde qui en imprima les premières illustrations (1596) et lui donna le nom de Solanum tuberosum. La mise en culture de cette plante date d’au moins vingt ans avant ces premières descriptions. 

Portrait de Gaspard Bauhin, 1658 (100 737)
Portrait de Gaspard Bauhin, 1658 (100 737)

Les premières mentions de la culture en Irlande datent de 1606 et ne cessent de se développer tout au long du 17e siècle. En 1780, on signalait une consommation moyenne de 3,5 kg par personne.

Comme souvent c’est pendant les guerres et les conquêtes que les soldats et fantassins amènent de nouvelles plantes. Avec la guerre de Trente ans commencée en 1617, la pomme de terre se diffuse en Allemagne et en Prusse. Toutes les descriptions à cette époque parlent de truffe de terre.

La pomme de terre dans la Botanique du territoire de Nancy, par Fonderval, 1718 (Ms 1040)
La pomme de terre dans la Botanique du territoire de Nancy, par Fonderval, 1718 (Ms 1040)

Introduction en France.

C’est dans l’est de la France que l’on signale les premières cultures de pomme de terre. Probablement arrivées par la Suisse, on signale dès le début du 16e siècle des cultures en Bourgogne et en Ardèche. Puis à la fin du 16e siècle, dans les Vosges lorraines, venant probablement d’Alsace. Au 18e siècle de nombreux textes apparaissent et enseignent la culture de la pomme de terre, notamment Le bon jardinier, édition de 1785. La production commence à se développer dans certaines régions. A Saint-Dié des Vosges, en 1758, on atteint une production d’environ 2000 tonnes de pommes de terre. A cette époque, on considérait la production de pommes de terre comme destinée aux pauvres.

Portrait de Antoine Augustin Parmentier (FG3-Parmentier)
Portrait de Antoine Augustin Parmentier (FG3-Parmentier)

Les disettes et famines étaient encore fréquentes à l’époque, liées aux mauvaises récoltes céréalières. Au 18e siècle, avec l’engouement de l’élite pour l’agriculture, les scientifiques et agronomes cherchaient un moyen d’éliminer les disettes. En 1769 et 1770, une terrible famine toucha la France. L’Académie de Besançon proposa un concours scientifique : « Indiquez les végétaux qui pourraient suppléer en cas de disette à ceux que l’on emploie communément à la nourriture des hommes et quelle en devrait être la préparation ».  Parmentier obtient le premier prix en proposant la pomme de terre. Pour convaincre le roi, il offre à Louis XVI un panier de tubercules qui sera préparé à la table du roi. Pour convaincre les savants il offre un dîner où sont proposés plus de 20 plats à base de pomme de terre. Pour convaincre les citadins, il fait garder de jour, mais pas de nuit, un grand champ de culture de pommes de terre. Pensant cette plante précieuse, les citadins volent des tubercules la nuit. De cette manière, Parmentier réussit à convaincre l’ensemble de la population de la qualité alimentaire et culinaire de cette plante.

Recherche sur les végétaux nourrissans..., Parmentier, 1781 (303 209)
Recherche sur les végétaux nourrissans…, Parmentier, 1781 (303 209)
Traité sur la culture et les usages de la pomme de terre, Parmentier, 1789 (271 133)
Traité sur la culture et les usages de la pomme de terre, Parmentier, 1789 (271 133)

La création variétale.

Au cours du siècle suivant, les scientifiques vont travailler progressivement à l’adaptation des variétés aux conditions de culture européennes et au goût des européens. Au XIX e siècle on assiste à une véritable explosion variétale. En 1777, on décrivait plus de 40 variétés, en 1810 110 variétés, en 1846 la catalogue Vilmorin en rassemble 177, celui de 1880 en propose 630. En 1920 on dépasse 2000 variétés. Avec l’industrialisation d’après-guerre, beaucoup ont disparu mais des spécimens sont conservés pour la création de nouvelles variétés.

Aujourd’hui on tend à retrouver ces variétés anciennes qui offrent une grande diversité de goûts, de couleurs, de formes ainsi que des résistances à des maladies ou des ravageurs.

Bibliographie :

Pitrat (Michel) et Foury (Claude), Histoires de légumes : des origines à l’orée du XXIe siècle, INRA, 2003. (cote DLI-467 067)

Peltre (Jean-Marie), Ces plantes que l’on mange, Chêne, 2009

Bloch-Dano (Evelyne), La fabuleuse histoire des fruits et légumes, Grasset, 2011

 

Découvrir le Canada à la bibliothèque de Nancy

Depuis plusieurs années, la bibliothèque accueille des étudiants dans le cadre de leur stage universitaire. Former les générations futures à la conservation et la valorisation du patrimoine est une mission indispensable pour que le patrimoine reste vivant. En 2016, plusieurs étudiants sont venus observer et participer aux missions quotidiennes des agents du patrimoine.

 

Carte des possessions Francoises et Angloises dans le Canada et Partie de la Louisiane, gravée par Chambon, 1756
Carte des possessions Francoises et Angloises dans le Canada et Partie de la Louisiane, gravée par Chambon, 1756

Lucie Creusat, étudiante en première année du Master patrimoine à l’Université de Lorraine, a choisi de s’intéresser au Canada. Pour son stage, la bibliothèque lui a proposé de traiter des collections en rapport avec son sujet de Master : le Codex Canadensis.

Le Codex Canadensis

Le Codex Canadensis est un manuscrit attribué au père Louis Nicolas (1634-168?), un missionnaire jésuite parti convertir les « sauvages » au Canada en 1664. Riche de près de 180 dessins réalisés entre 1664 et 1675, le manuscrit est actuellement conservé au musée Gilcrease à Tulsa (Oklahoma, États-Unis). Le codex représente la faune et la flore ainsi que les peuples autochtones canadiens. Chaque dessin est accompagné d’une notice descriptive.
À son retour en France, Louis Nicolas entreprend son ouvrage Histoire naturelle des Indes Occidentales, dont le manuscrit est conservé à la Bibliothèque Nationale de France.  Celui-ci ne sera, malheureusement, jamais publié.

Les collections géographiques de la bibliothèque

Riche de plus de 500 000 documents, la bibliothèque Stanislas possède de nombreux ouvrages relatifs à la représentation du monde, aux grandes découvertes, aux voyages des explorateurs. L’histoire de la découverte du continent Américain est d’ailleurs liée à l’histoire lorraine  au travers notamment des publications réalisées  par le Gymnase Vosgien. Cette école ecclésiastique, fondée en 1490 par le chanoine Vautrin (ou Gauthier) Lud, publie et diffuse de nombreux travaux scientifiques. C’est à Saint-Dié, en 1507, que le Gymnase vosgien fait paraître la Cosmographiae introductio, et c’est dans cet ouvrage que le collectif de savants va nommer pour la première fois le nouveau continent découvert par Americo Vespucci : America.

Première mention de nom Amérique dans la Cosmographie de Waldseemüller
Première mention de nom Amérique dans la Cosmographie de Waldseemüller

D’autres ouvrages de la bibliothèque viennent compléter ces découvertes ; les nombreux atlas mais aussi les récits d’explorateurs nous replongent dans ces mondes nouveaux que l’on tentait alors d’explorer.

Sélection canadienne

Pour ce stage d’une durée de 21 jours, nous avons sélectionné un ensemble de documents : cartes géologiques, cartes géographiques, cartes ferroviaires et récits d’explorateurs. L’objectif, au terme du stage, était d’avoir mené à bien les missions premières d’un agent du patrimoine : conserver, étudier, diffuser. Lucie a donc dans un premier temps classé, dépoussiéré et conditionné les documents. Puis elle a effectué des recherches pour pouvoir cataloguer des œuvres. Enfin, nous lui avons demandé de nous faire découvrir la « Nouvelle-France », à travers une sélection de quelques œuvres remarquables conservées à la bibliothèque. Voici sa sélection.

Carte du Canada et de la Louisiane qui forment la Nouvelle France et des colonies Angloises ou sont représentez les Pays contestez. Dressée par Nolin, 1756
Carte du Canada et de la Louisiane qui forment la Nouvelle France et des colonies Angloises ou sont représentez les Pays contestez. Dressée par Nolin, 1756

Cartes géologiques

La bibliothèque Stanislas possède un ensemble de 107 cartes géologiques du Canada conçues par la Geological Survey of Canada au cours du xixe siècle. Cette institution est une organisation scientifique fondée en 1842 dont le but est d’assurer l’essor de l’industrie canadienne des minéraux en établissant les principales bases géologiques du pays.
Chaque carte de cet ensemble est estampillée du cachet de la Société des Sciences de Nancy qui en a fait don à la bibliothèque. Cette société, qui existe depuis 1828 et qui a été renommée Académie Lorraine des Sciences en 2001, a régulièrement versé des documents à la bibliothèque de Nancy.
Ces cartes présentent un grand intérêt pour la connaissance géologique du territoire canadien entre 1959 et 1964.

 

Les cartes géographiques, maritimes et ferroviaires

Map of the Eastern Lines, Canadian Pacific Railway. 1896
Map of the Eastern Lines, Canadian Pacific Railway. 1896

Les cartes concernant le Canada ont été extraites de la collection des cartes géographiques de la bibliothèque afin d’être étudiées. Ce lot comprend des cartes datant du milieu du xviiie siècle jusqu’au xixe. Dix huit sont des cartes ferroviaires et maritimes, en anglais, datant approximativement de 1896. Elles donnent des informations sur les horaires et tarifs pour les transport des personnes.

Partie orientale de la Nouvelle France ou du Canada. Par M. Bellin, Ingénieur du Roy et de la Marine
Partie orientale de la Nouvelle France ou du Canada. Par M. Bellin, Ingénieur du Roy et de la Marine. 1755

Douze cartes géographiques présentent le continent américain, en particulier le territoire de la Nouvelle-France jusqu’alors inconnu et en cours d’exploration. Elles s’avèrent utiles aux navigateurs pour identifier les lieux où il est possible d’accoster ou de pêcher. On y voit également l’embouchure du fleuve Saint-Laurent qui est un endroit stratégique pour entrer au Canada par voie fluviale.
La lecture de ces cartes donne aussi des informations sur les limites des territoires étrangers, les forts, les noms des peuples amérindiens et leur localisation, mais aussi les rivières et les fleuves où il est possible de naviguer.

Deux cartes présentent un intérêt particulier :

Carte d’Amérique divisée en ses principaux Etats avec les Nouvelles Découvertes faites au Nord et dans la Mer du Sud / par les célèbres Navigateurs assujeties aux dernières Observations Astronomiques
Carte d’Amérique divisée en ses principaux Etats avec les Nouvelles Découvertes faites au Nord et dans la Mer du Sud / par les célèbres Navigateurs assujeties aux dernières Observations Astronomiques
  • La première est la Carte d’Amérique divisée en ses principaux États avec les Nouvelles Découvertes faites au Nord et dans le Sud par les célèbres Navigateurs assujeties aux dernières Observations Astronomiques, réalisée par Jean-Baptiste Nolin (1686-1762) et publiée en 1820.
    Elle représente l’ensemble du territoire américain, avec des reliefs et des parties colorées qui délimitent les territoires. Un encart en bas de la carte présente la partie arctique du Nord de l’Amérique.
    Sur la carte générale on observe les différentes voies empruntées par les navigateurs depuis Magellan (1480-1521) jusqu’à James Cook (1728-1779) et Clarke en 1778-1779.
    Le cartographe mentionne des zones qui restent encore inconnues. Les contours apparaissent mais les terres sont inexplorées.
"Carte d'Amérique Dressée pour l'instruction par Guil. Delisle et Phil. Buache, premiers géographes de l'Académie des Sciences. Nouvellement Revue, Augmentée et Assujetie aux Nles Observations Astronomiques de Mrs. de l’Academie des Sciences."
Carte d’Amérique Dressée pour l’instruction par Guil. Delisle et Phil. Buache, premiers géographes de l’Académie des Sciences.
Nouvellement Revue, Augmentée et Assujetie aux Nles Observations Astronomiques de Mrs. de l’Academie des Sciences.
  • La deuxième est une carte datant de 1808, intitulée Carte d’Amérique Dressée pour l’instruction par Guil. Delisle et Phil. Buache, premiers géographes de l’Académie des Sciences, qui représente le continent américain et une partie de l’Europe et de l’Afrique . Comme sur la carte précédente, un encart souligne la description des côtes de l’Alaska par le capitaine Cook.
    Cette carte présente les différents peuples d’Amérique, mais aussi les forts, les lacs, les rivières et les zones de relief.
    L’une de ses particularités est qu’elle présente le « Premier Méridien, fixé à l’Isle de Fer par la Déclaration du roi Louis xiii ». Le roi a rendu obligatoire en 1634 l’utilisation de ce méridien . Depuis le xvie siècle les grandes puissances européennes choisissent leur propre méridien : le Portugal choisit une île des Açores, l’Espagne prend Tolède, etc. Louis xii, conscient du problème que cela pose, décide de réunir les plus grands cartographes et géographes d’Europe pour qu’ils s’accordent sur un premier méridien. Il va alors imposer aux géographes français l’utilisation du méridien de l’île de Fer comme premier méridien et, peu à peu, les géographes européens vont accepter cette décision.
    En 1792, le méridien de l’île de Fer est abandonné au profit du méridien de Paris, qui lui même est supplanté en 1884 par le méridien de Greenwich, adopté au niveau international. Cependant la France va garder, jusqu’en 1911, le méridien de Paris pour ses propres cartes géographiques du territoire.

Récits d’explorateurs

Depuis toujours les hommes ont cherché à découvrir de nouveaux territoires. En Lorraine, on retiendra le nom de Jacques Marquette (1637-1675), prêtre et missionnaire jésuite de Lorraine, qui partira en mission en Amérique. Son nom reste associé à l’exploration de la vallée du Mississippi.

La bibliothèque Stanislas possède un nombre important de récits de voyages d’explorateurs du Nouveau-Monde (mais aussi d’autres terres). Ceux de Samuel de Champlain (vers 1570-1635), Pierre-François-Xavier de Charlevoix (1682-1761), Dière de Dièreville (vers 1670-après 1711) et celui de Louis Hennepin (1626-1705) Voyage ou nouvelle découverte d’un très grand pays dans l’Amérique entre le nouveau Mexique et la mer glaciale. Dans son ouvrage, publié en 1704, ce prêtre et missionnaire franciscain décrit les terres intérieures de l’Amérique du Nord et ses conditions de voyages, que ce soit par voies navigables ou à pied, mais aussi les diverses rencontres imprévues ou organisées qui ont lieu avec les «sauvages». Hennepin les décrit souvent comme des personnes accueillantes qui leur donnent beaucoup de nourriture au cours de son exploration avec ses hommes. Mais l’auteur explique aussi que se sont des «barbares» car il assiste à des scènes de mutilation ou de cannibalisme. Si les rencontres semblent parfois prendre une mauvaise tournure, souvent les choses s’arrangent quand il leur présente un calumet qui est le symbole de la paix pour les Amérindiens. L’analyse de cet ouvrage révèle de nombreuses similitudes avec le Codex Canadensis : la description des mœurs, de certaines plantes comme le blé d’Inde (maïs) et d’animaux.

Le travail effectué pendant ce stage a permis de traiter et de valoriser des collections peu exploitées jusqu’alors à la bibliothèque Stanislas. Ainsi, nous redécouvrons aujourd’hui une partie de l’histoire du Canada.

Astrid Mallick et Lucie Creusat.

Découvrez aussi nos cartes sur Flickr.

Du reconditionnement des œuvres à l’étude scientifique : l’exemple de la collection Piroux

En 2016, la bibliothèque a décidé de faire numériser l’une de ses collections les plus connues, celle d’Augustin-Charles Piroux (1749-1805), architecte et avocat à la fin du 18e siècle. Dans cette collection sont conservés de très nombreux dessins d’architecture du 18e siècle, représentant les plus célèbres bâtiments de Lorraine. Du dépoussiérage à leur conditionnement, de la restauration au catalogage scientifique, zoom sur le traitement intégral d’une collection.

 

I. Cabinet de S A R coté de la cheminée [Projet de décor pour le cabinet de Léopold], Germain Boffrand
I. Cabinet de S A R coté de la cheminée [Projet de décor pour le cabinet de Léopold], Germain Boffrand

Augustin-Charles Piroux,  un architecte collectionneur et bibliophile

Augustin-Charles Piroux est né à Lunéville en 1749. Orphelin à l’âge de six ans, il grandit dans la famille de son oncle Joseph George. Une enfance plutôt malheureuse car il est rejeté et raillé par les membres de cette famille adoptive. Curieux de sciences et de lectures, il est pris comme commis d’architecte vers l’âge 18 ans, chez un certain Joly à Lunéville puis est reçu par le corps des architectes de Nancy en 1776 à l’âge de 27 ans. Il suit également des cours de droit à Nancy et devient avocat en 1778.

Bras de lustre pour la synagogue de Nancy, Charles-Augustin Piroux.
Bras de lustre pour la synagogue de Nancy, Augustin-Charles Piroux.

Dès son jeune âge, Augustin Piroux achète régulièrement des livres de sciences, de géométrie et d’architecture. Sa passion pour les livres l’amène à constituer une bibliothèque importante constituée de plus de 2 000 volumes. Ses livres de comptes montrent que les achats de livres tiennent la première place dans ses dépenses et cela pendant plus de vingts ans. Il ira même jusqu’à s’endetter auprès de son libraire pour en acquérir. On trouve également de très nombreux livres de droit en particulier concernant la Lorraine.

Mais loin de s’en tenir à la constitution d’une bibliothèque admirable, il amasse également un très grand nombre de documents, de dessins et d’estampes. Il constitue ainsi une masse de dossiers documentaires sur l’agriculture, la culture des pommes de terre et des choux, sur le tabac, le chauffage, les chiens errants, les lois domaniales, les spectacles, etc… mais aussi sur les bâtiments lorrains.

De sa carrière d’architecte nous retenons la construction des synagogues de Lunéville et de Nancy.

Il décède en 1805 à l’âge de 55 ans, peu après son installation à Épinal.

Le « fonds Piroux »

L’ensemble des documents, dessins et estampes collectés par Piroux est aujourd’hui connu sous le nom de « fonds Piroux ». Cette collection est conservée principalement à la bibliothèque Stanislas et à la médiathèque de Lunéville. C’est probablement en 1884,  à la mort de son fils Joseph, que le fonds Piroux a été versé à la bibliothèque. Les deux sites conservent à la fois des documents manuscrits, des dessins et des estampes.

Façade du coté du jardin [Projet de reconstruction du château de Lunéville, dessin pour la façade du corps de logis du coté du jardin], Germain Boffrand
Façade du coté du jardin [Projet de reconstruction du château de Lunéville, dessin pour la façade du corps de logis du coté du jardin], Germain Boffrand
L’intérêt premier de cette collection est qu’elle contient des documents originaux traitant de la Lorraine, datant du 18e siècle, voire parfois du 17e siècle. Des documents relatifs à la justice, aux coutumes, aux métiers et corporations, à l’agriculture, bref à la vie quotidienne en Lorraine à son époque. Ils n’ont jamais été véritablement étudiés. La collection de dessins, en revanche, a fait l’objet de beaucoup plus d’attention. Elle contient les plans et élévations de très nombreux bâtiments lorrains dont le château de Lunéville ou le palais ducal de Nancy. Les dessins contenus dans cette collection ne sont pas tous de Piroux. On y retrouve les projets des architectes Germain Boffrand ou Émmanuel Héré pour les grands monuments de Lorraine. Certains d’entre eux ont déjà été publiés dans des articles ou des monographies.

Mieux conserver la collection

La numérisation d’une collection est toujours un bon prétexte pour la reconsidérer dans son ensemble. Les arts graphiques de la bibliothèque ayant fait l’objet d’un nouveau protocole de traitement, l’ensemble de la collection Piroux doit passer par les différentes phases de dépoussiérage, conditionnement, recotation et description scientifique.

Elévation de l'aile des offices de la Malgrange [Projet pour l'élévation du château de la Malgrange] , Germain Boffrand
Exemple de dessin qui nécessite une remise à plat. Elévation de l’aile des offices de la Malgrange [Projet pour l’élévation du château de la Malgrange], Germain Boffrand
Le conditionnement actuel n’est pas satisfaisant. L’ensemble des dessins est classé par localité et réuni en liasse dans des pochettes de papier permanent. Très souvent, les dessins sont pliés car leur format est important.

L’objectif, qui est le même que pour l’ensemble des arts graphiques, est de reprendre le classement en séparant d’abord les dessins des estampes, puis de classer les œuvres selon leur format, afin de mettre à plat la quasi totalité de la collection.

Chaque œuvre est ensuite dépoussiérée puis mise en pochette de papier de conservation. Les dessins sont conditionnés individuellement, les estampes par lots.

Mieux étudier la collection

S’agissant ici d’une collection importante qui contient des documents originaux sur la Lorraine, il paraissait judicieux de reconsidérer également les informations scientifiques propres à chaque œuvre. Si certains dessins ont été souvent publiés et étudiés, d’autres sont restés totalement oubliés. Or, l’ensemble constitué par Piroux a une cohérence. Plusieurs pochettes contiennent des ensembles thématiques comme « Portes », « Ornements » alors qu’il y a également des pochettes pour des localités comme Lunéville ou Nancy. L’étude scientifique de la collection, nous a permis de réattribuer plusieurs dessins à des lieux ou des artistes. Nous avons également constaté que certains dessins ont été mélangés et ne se trouvent plus dans le classement originel.

[Motif d'ornement : modèle de rosace tournante à feuille d'acanthe et feuille d'eau], anonyme
[Motif d’ornement : modèle de rosace tournante à feuille d’acanthe et feuille d’eau], anonyme
Pour l’examen des œuvres, nous avons demandé la collaboration scientifique de M. Thierry Franz chargé de la documentation des collection au château de Lunéville. Véritable expert pour l’architecture au 18e siècle en Lorraine, il a pu dater avec précision de très nombreux dessins mais également attribuer plusieurs d’entre eux à des architectes lorrains ou identifier les bâtiments représentés.

Un dessin de Jean Lamour ?

Parmi les jolies découvertes se trouve un dessin qui pourrait être attribué au serrurier lorrain Jean Lamour ou à son atelier, bien qu’il soit classé dans la pochette « Dessins pour la serrurerie par Piroux ». Il y a également de nombreux autres dessins dans cette pochette qui ne sont pas de la main Piroux, comme d’ailleurs dans le reste de la collection.

Feuille d'acanthe, modèle pour ferronnerie, attribué à Jean Lamour
Feuille d’acanthe, modèle pour ferronnerie, attribué à Jean Lamour

Ce dessin à l’encre métallo-gallique est d’une grande qualité. Le trait est sûr et précis tout en conservant une grande souplesse dans sa réalisation. Les détails sont d’une grande finesse et les zones d’ombrages donnent du volume à la pièce de ferronnerie. Il représente un modèle de feuille d’acanthe, probablement un modèle pour de la serrurerie. Stylistiquement, cette feuille d’acanthe se rapproche étrangement de celle qui figure sur les grilles de la place Stanislas de Nancy. On y retrouve cette petite courbe qui surmonte l’acanthe et qui est une caractéristique du serrurier nancéien. Le format du dessin laisse supposer qu’il a pu servir à la réalisation d’un modèle à taille réelle.

Feuille d'acanthe, modèle pour ferronnerie, attribué à Jean Lamour, détail du verso
Feuille d’acanthe, modèle pour ferronnerie, attribué à Jean Lamour, détail du verso

Autre détail intéressant, au verso se trouve l’inscription « Lamour » qui pourrait valoir signature1. Nous avons comparé cette inscription avec les signatures de Jean Lamour conservées sur les actes officiels aux archives municipales et départementales. Plusieurs de ces signatures montrent des similitudes. Un autre nom, que nous n’avons pas pu déchiffrer figure également au verso. Un commanditaire ? Un collaborateur de Jean Lamour ? Le mystère reste entier.

Sur le recto on trouve également une note manuscrite « pour vous » suivie d’une addition de chiffres, qui pourrait correspondre à une comptabilité.

Bien que dans toute attribution il faut rester très prudent, l’ensemble de ces détails laisse supposer que ce dessin pourrait être de la main de Jean Lamour ou issu de son atelier. Il s’agirait alors de l’un des très rares dessins de l’artiste ou de son atelier conservés à ce jour.

Motif d'ornement : feuille d'acanthe, anonyme
Motif d’ornement : feuille d’acanthe, anonyme

Valoriser la collection

D’autres dessins de cette collection ont pu être identifiés. Ils sont même déjà mis en valeur dans des expositions ou des ouvrages scientifiques. Avec la mise en ligne prochaine des collections lorraines dans le cadre du projet BNR2, le « fonds Piroux » sera visible et accessible à tous. Les chercheurs auront donc un accès facilité aux collections et pourront documenter leurs travaux grâce aux images et informations scientifiques mises en ligne.

 

 

 

 

  1. Voir la remarque de T. Franz dans le catalogue de l’exposition Stanislas Leszczynski, de l’homme à lalégende, publié en 2016, page 71, cat. 62. []
  2. La Bibliothèque Numérique de Référence du Sillon Lorrain (Épinal, Metz, Nancy et Thionville) doit ouvrir à partir du premier semestre 2017,  un des trois sites la composant sera dédié au patrimoine lorrain []

La mystérieuse série des Disparates de Francisco Goya

Cachée au milieu des très nombreux trésors de sa collection, la bibliothèque redécouvre aujourd’hui la série des Disparates, connue aussi sous le nom de Los Proverbios, de l’artiste espagnol Fransico de Goya. Cette redécouverte est, en partie,  due au chantier lancé sur les collections d’art graphique de la bibliothèque. Autrefois rangée parmi les ouvrages de la bibliothèque, elle intègre désormais la collection des estampes.

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Gérer une collection d’art graphique en bibliothèque : le cas des recueils gravés.

Depuis 2011, la bibliothèque Stanislas a entrepris un vaste chantier sur sa collection d’art graphique. Dépoussiérage, conditionnement, reclassement mais aussi repérage des recueils « dits » de gravure qui doivent intégrer la collection. Or ces recueils ne sont pas tous de même nature. Cette typologie d’objet pose problème en bibliothèque. Qu’appelle-t-on exactement « recueil gravé » ? Doit-on considérer le recueil gravé comme un livre ou comme un album d’estampe ? Une question importante car c’est de la réponse à cette question que va dépendre son traitement physique et intellectuel. Il sera difficile d’y apporter une réponse tranchée car « recueil » est l’un de ces mots commodes dont on est incapable de donner une définition exacte mais dont on ne peut se passer1 ».

 

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  1. Citations extraite de l’introduction de Maxime Préaud pour l’ouvrage A l’origine du livre d’art, les recueils d’estampes comme entreprise éditoriale en Europe (xviexviiie siècles), Silvana Edidoriale, 2010. []

Revues et albums décoratifs pour les arts industriels : la collection Art nouveau de la bibliothèque.

Si la bibliothèque de Nancy conserve des fonds liés à l’histoire de Nancy et de la Lorraine, elle conserve également l’histoire de ses arts. Sa riche collection d’ouvrages d’art, et en particulier celle se rapportant au mouvement de l’École de Nancy, témoigne d’un passé artistique florissant. Si certaines reliures de la collection sont connues car déjà présentées au public, l’ensemble de la collection Art nouveau de la bibliothèque reste à découvrir. L’occasion de se pencher sur les nombreux albums décoratifs et revues de décoration de cette période.

Retrouvez sur Flickr une sélection de planches des albums cités et de beaucoup d’autres.

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